KJ's Books and Music

古寺多見(kojitaken)の本と音楽のブログ

森本恭正『日本のクラシック音楽は歪んでいる』(光文社新書,2024) の「調性音楽は階級を体現している」という主張には無理がある。また、教会旋法の説明の専門家とは思えないいい加減さに呆れた。

 最初に読み終えたミステリについて少しだけ書いておく。

 アガサ・クリスティのポワロものの31番目の長篇『ハロウィーン・パーティ』を、昨年新訳版が出たハヤカワ・クリスティー文庫で読んだ。旧版は中村能三(1903-1981)訳だったが、山本やよい氏(1947-)の訳に差し替えられた。

 

www.hayakawa-online.co.jp

 

 埋め込みリンクの画像でご覧いただける通り、ケネス・ブラナー監督・主演の映画が日本で公開されたタイミングに合わせて新訳版が出たもののようだ。図書館に置かれるまでは数か月かかるかなと思っていたが、先日区内の図書館に置いてあったので借りて読んだ。

 これはクリスティ79歳の1969年の作。ポワロ(クリスティ文庫での表記は「ポアロ」)ものの最終作『カーテン』は発表こそクリスティの死の前年の1975年だが書かれたのは1943年なので(ミス・マープルもの最終作の『スリーピング・マーダー』も同様)、クリスティのミステリをほぼ成立順に読むことにしている私は既に2021年の暮れに、クリスティのミステリとしては42番目に読んだ。その後は読むペースが落ちてきたがミステリに関しては終わりが見えた。ただ、順序としてはミステリ及び冒険ものの事実上の最終作『運命の裏木戸』(1973)を読む前にクリスティがメアリ・ウェストマコット名義で書いた恋愛小説6冊を先に読もうかと思っている。とりあえず、ミステリ及び冒険ものは『運命の裏木戸』を含めて、かつ戯曲を除いてあと5冊になった。

 今回読んだ『ハロウィーン・パーティ』はヒントがわかり易いというよりもかなり露骨なので、「…ということはこの人が犯人なのかな」とピンとくるが、クリスティは例によってその後でミスリーディングの技を繰り出してくる。でもあまり深く考えずに読んだらやっぱり、という読後感。でも終盤に緊張感を高める技術は相変わらず巧みで、その点だけをとってみれば、やたらと多重どんでん返しに凝りまくっていた初期の作品よりむしろ良いかもしれない。しかしやはり衰えは隠せないとも思わせた。

 次に取り上げるのは先月読んだクラシック音楽批判本だが、立ち読みしてあまりにも感心できない箇所があったのであえて買って読んだ。森本恭正(1953-)というクラシック音楽の本場オーストリアで活躍する作曲家・指揮者の人が書いた『日本のクラシック音楽は歪んでいる』という本だ。初版は2024年1月30日発行となっているが、これは通例により実際の発売日よりかなり遅い日付であり、読書記録を見ると1月16日から17日にかけて読んでいた。

 

www.kobunsha.com

 

 埋め込みリンクに光文社の紹介文が表示されないので、以下に引用する。

 

本書における批判の眼目は、日本における西洋音楽の導入において、いかに我々は間違ってそれらを受け入れ、その上その間違いに誰も気がつかず、あるいは気がついた者がいたとしても訂正せず、しかも現在まで間違い続けてきたか、という点である。
(「批評1 日本のクラシック音楽受容の躓き」より)
明治期に導入された西洋音楽。だが、その釦は最初から掛け違っていた。そして日本のクラシック音楽は、掛け違った釦のまま「権威」という衣を纏い、今日へと至る。作曲家・指揮者として活躍する著者が、二十年を超える思考の上に辿り着いて示す、西洋音楽の本質。

 

目次

批判1 日本のクラシック音楽受容の躓き
批判2 西洋音楽と日本音楽の隔たり
批判3 邦楽のルーツ
批判4 なぜ行進は左足から始まるのか
批判5 西洋音楽と暴力
批判6 バロック音楽が変えたもの
批判7 誰もが吉田秀和を讃えている
批判8 楽譜から見落とされる音
批判9 歌の翼
批判10 音楽を運ぶ
批判11 現代日本の音楽状況
批判12 創(キズ)を造る行為

 

URL: https://www.kobunsha.com/shelf/book/isbn/9784334101961

 

 著者は政治思想的には左寄りの人のようだが、主張は権威主義批判のトーンが強く、旧ソ連などには非常に批判的だ。上記引用文中に

日本のクラシック音楽は、掛け違った釦のまま「権威」という衣を纏い、今日へと至る。

と書かれていることに示されている通りだ。

 だが、それにもかかわらず批判しないわけにはいかない理由の一つとして、54頁で言及され、75〜80頁に長大な注釈がつけられている「教会旋法」の説明が実にいい加減であることを挙げたい。

 註の冒頭には「この注2では、段落を追うごとに解説が詳細かつ専門的になるので、随時中断して本文に戻っていただいて結構です」などと書かれているが、その専門的なはずの内容がいい加減なのである。読者が素人だと思って高を括って適当なことを書き飛ばしたものに違いない。

 カバーの裏表紙を見ると、著者は「ヴィトルト・ルトスワフスキ国際作曲コンクール審査官」を務める一方、「指揮者としてはオペラを含むバロックから現代までの作品を指揮。」と書かれているから、現代音楽の作曲家としてはそれなりに名が通っていると同時に、バロック音楽以降の西洋クラシック音楽の専門家であることは疑いないと思われる。だからこそこの光文社新書のいい加減極まりない執筆態度に腹が立つのだ。

 著者は「調性音楽は階級を体現している」と書く。一例を以下に引用する。ここで著者は旧ソ連を批判している。

 

 平等を謳ったはずの国家がなぜ、音を平等に扱おうとした(=12音技法を使おうとした=引用者註)作曲家を支援しないどころか、粛清までしたのか、それは言うまでもなく、ソヴィエト連邦が、スターリンを筆頭とする独裁国家でしかなかった、という証である。皮肉にも、階級闘争の果てに生まれた似非社会主義国家では、階級性を体現する調性音楽こそが、為政者にとって、その地位を保守するために必要な音楽だったというわけだ。(本書137頁)

 

 こんなことを書く以上、著者が作る現代音楽は調性を用いない音楽なのだろう。もちろん現代においては調性を用いない音楽などごく当たり前である。

 だが、それならなぜ著者は「オペラを含むバロックから現代までの作品」、それらは現代のごく一部の音楽を除いて調性音楽が大部分だと思うが、それらを指揮するのだろうか。

 もちろん調性音楽はクラシックに限らない。現在は世界中の音楽が調性音楽に席巻されているので、著者が書く通り、「今日でも世界の音楽界を支配しているのは、まるで、現代の階級社会そのままを体現しているかのような、調性音楽なのだ」(本書138頁)。著者は「もしかしたら、資本主義を押し広め、市場を開拓するには、戦争をするより、モーツァルトからロックに至るまでの〈階級性〉に満ちた調性音楽が、最も有用な手段だったのではないだろうか。これなら人を殺さなくて済む」(同146頁) とも書くが、ここで引用した著者の考え自体は、私も仮説として考えた時期が長かったので、こんな文章を書きたくなる気持ちはよくわかる。

 第7章には吉田秀和批判が書かれているが、吉田が戦争中に何をやっていたかについてを黒歴史にしてしまっているという著者の批判については、私も吉田が亡くなった2012年に同様のことをブログに書いた記憶がある。そして著者と同様に、吉田が書いたの楽曲分析にしばしば「これはこじつけではないか」と思ったことは、正直に書くと私にも何度もある。吉田を「印象批評が許された最後の人」ともしばしば評した。

 しかし、それにもかかわらず最近の私は、やはり吉田秀和は認めるほかないと思うようになった。以前にモーツァルトの音楽に陶酔する犬がいた(もう故人ならぬ故犬だが)という話を弊ブログに書いた。あるいは、ベートーヴェンのクロイツェルソナタを介して彼の心境が直接トルストイに伝わったとトルストイは感じたという話も書いた。音楽には言語化できない要素が多く、そこから言葉を引き出してくる点において、どうしても敵わないと思う人が私には何人かいる。その一人が吉田秀和で、他には村上春樹やこの間亡くなった小澤征爾、それに1996年に相次いで亡くなった武満徹柴田南雄らがその範疇に入る。村上、小澤、武満の3人については、武満と小澤、小澤と村上の対談本を読んでそう思った。柴田については、昔彼が書いた単行本に書かれていたシェーンベルクショスタコーヴィチに関する文章を読んで思った。なお柴田の一族には理系の学者が多い。音楽には理系の要素もかなり強い。

 しかし、階級云々の文系的な話について少し書いておくと、この間、吉田秀和が1950年に書いた『音楽家の世界 - クラシックへの招待』(河出文庫版, 2023)に下記の文章を見つけて笑ってしまった。以下引用する。

 

www.kawade.co.jp

 

バッハのところでもいったように、トニカ(主音)とかドミナント(属音)とかいうのは、その音の階級(価値の体系)を指す言葉で、とくにこの二つの関係が音楽を作る骨子なのである(河出文庫版187頁)。

 

 何のことはない、調性音楽の階級性については森本が嫌う吉田秀和も指摘していたのだった。しかも1950年に。しかし、手元にある柴田南雄音楽史と音楽論』(岩波現代文庫, 2014;初出は放送大学教育振興会1988)には以下のように書かれている*1

 

www.iwanami.co.jp

 

 また、1430年代が和声法の上でT(トニック、中心音)、D(ドミナント、中心音の完全5度上。完全5度は振動比2対3)、S(サブドミナント、中心音の5度下=4度上。完全4度は3対4)の3種の機能が確立した年代であることは、デュファイのミサ曲の和音構成、TDSの頻度を一時代前のアルス・ノヴァのギヨーム・ド・マショーのそれと比較すれば明瞭である。(岩波現代文庫版128頁)

 

 それなら、機能和声が発明される前の「階級がない」(?) 音楽が階級などなかった平和な時代を反映していたかというと、そんなことは絶対にない。古代から奴隷制があった。

 そう考えると、調性音楽のトニカ、ドミナントの構造と人間社会の階級構造とをリンクさせる論法にはさすがに無理があるのではないかと思わずにはいられない。前者には自然科学のファクターも大きいと思われる。

 もちろん、機能和声の束縛から自らを解放したいという欲求は私にもあり、昨年亡くなった坂本龍一も同じようなことを言っていたが、それと階級社会とはまた別の話だろう。

 

 ところで、森本恭正が書いた教会旋法の説明について、具体的にどこがどういい加減なのかについてはここまで一言も書いてこなかった。これはきっちり論証しようと思ったら結構骨が折れる作業なのだ。だが、ブログに記事を書くためにかけたネット検索で、下記サイトを知った。

 

 上記リンクのサイトに、教会旋法の説明や6世紀に書かれたボエティウスの『音楽教程』の解説が載っている。後者は、昨年秋に講談社現代文庫から「本邦初訳」が発売されたので、酔狂にも買ってしまった。

 

bookclub.kodansha.co.jp

 

 しかし、結構読みづらそうなので、買う前から予想はしていたものの「積ん読」状態になっている。そこに前記「まうかめ堂」のサイト中の下記の文章が目を引いた。

 

ここからのページでは中世音楽を語る上で避けては通れない書物,ボエティウス Boethius (480-524年)の『音楽教程 De institutione musica』(510年前後)を取り上げたいと思います. この書物は中世を通じて音楽を学ぶ全ての者にとって最も権威ある教科書として,いわば音楽家 musicus になるための必読書として読まれた書物で,音楽に関わるすべての者が持つべき音楽上の基礎知識を与え,中世の音楽的思考の基盤となる書物と言ってよいものです. ただこの書は難解な書物としても知られ,原文は6世紀のローマ人の手によるラテン語ということで,なかなか門外漢には手の出しにくいものでした.

 

ところが,大変ありがたいことに最近この書物の伊藤友計さんによる邦訳が出版され,日本人にとってのこの書物へのアクセスのハードルは一気に下がりました.

 

とはいうものの,日本語で読めるようになったからと言って,この本の内容的なある種の「難解さ」が減るわけではありません. 何しろ1500年前の書物ですから,物事の捉え方や表現の仕方が現代とは大きくかけ離れています.

 

そこでここからのページでは,この本の解説というよりは(それは私の手にあまります),内容をきちんと理解するための覚書といったものを提示したいと考えています. 特に第二,三巻でなされる数比に関するやや踏み込んだ数学的な議論について, それらは内容的には高校レベルまで(たかだか数学I程度)ではあるのですが,記述・論述の仕方が現代とは大きく異なるため理解が困難になりそうなところが多く見られます. そういった部分を現代人により理解しやすい形に,「その箇所には要するに何が書いてあるのか」がわかるようなものを目指したいと思います. 一応これだけを読んでも原著の大まかな内容はフォローできるようにしたいと思いますが,原著を読みつつ適宜こちらを参照してもらった方が意味があるんじゃないかと思います.

 

URL: https://maucamedus.net/boethius/index.html

 

 これはありがたい。もっと暇になったらチャレンジしてみたいと思った。

 ここまで、森本の教会旋法に関する注釈がいい加減であることの根拠は示してこなかった。実はこれを論証するのは結構骨が折れるのだ。しかし、前記「まうかめ堂」の教会旋法の項にある下記の批判に当てはまっていることを発見したので、今回はそれだけを指摘しておく。

 まず森本の本の注釈を引用する。

 

実際に、キーボードの白鍵をたどって音を確認された方はお気づきかもしれないが、長音階はヒポリディアと、短音階はヒポドリアと全く同じになる。だから、1600年の少し前あたりから、ヨーロッパの音楽が、このヒポリディア(長調)とヒポドリア(短調)に収斂されていったのだ。(77頁)

 

 これに対し、「まうかめ堂」は下記のように書いている。

 

「全ての旋法が長調短調の二つの種類の音階に解消してしまうまで」なんてことは何重にも正しくないので不用意に言わないほうが良いでしょうね…。

URL: https://maucamedus.net/solmization/modus01.html

 

 森本の本では、絶対音感相対音感について書いた文章も疑問だ。いや、以下の疑問を持つのはもしかした私だけで、森本が書いていることの方が正しいのかもしれないが。以下引用する。

 

 ある調査によると、日本の音楽大学ピアノ科の学生のほとんどが絶対音感の持ち主だという。それはよい。では同じピアノ科で相対音感の持ち主はというと、約一割しかいなかったという。(213頁)

 

 私は相対音感は小学校1年性の頃には既にあった。ヤマハ音楽教室で聴音をやったら、わかったのは私だけで、クラスの他の児童は誰もわからなかったという経験がある。しかし小学生の頃には当時は絶対音感はなかった。絶対音感が身についたのは、クラシック音楽を聴くようになったあとの中学生時代で、それも聴き始めてから1年経つか経たないかの頃だった。家にピアノがあって妹が習っていたので、そのピアノを我流で弾いて音にしていた(だから間違っても「ピアノが弾ける」域には達していない)ために絶対音感が身についたのかもしれない*2。訓練などは何もしてない。私の絶対音感は、最初、あれっ、この曲って何調なんじゃないかとふと気づいたところから始まった。最初の頃は半音の違いはわからず、たとえば当時よく聴いていたモーツァルト交響曲第40番の第4楽章展開部のクライマックスが主調のト短調から一番遠い嬰ハ短調だということまではわからず、ニ短調に聞こえた。あの展開部は、5度上へ5度上への転調があまりにも矢継ぎ早なので相対音感も追いつかなかったのだった。そのさらに1年後くらいには絶対音感の精度が上がって、やっと絶対音感が身についたと自覚することができた。それが中学校3年生の頃だ。だから、よく言われる何歳までに絶対音感を身につけなければ一生ダメだというのは俗説の嘘だと信じて疑わなかったのだが、もしかしたら相対音感がない人でも絶対音感を身につけることも可能で、それができるのが7歳くらいまでなのかもしれない。それは本書を読んで初めて思ったことだ。それまでは、つまり今年初め頃までは相対音感のない絶対音感などあり得ないと思っていた。

 それで思うのだが、相対音感なしの絶対音感の持ち主がピアノ科の大多数を占めるという話が本当なら、それは決して望ましいあり方ではないのではなかろうか。そうであれば『日本のクラシック音楽は歪んでいる』という森本の本のタイトルにも多少の理はあるのかもしれない。

*1:引用に際し、漢数字を算用数字に改めた。

*2:最近、吉田秀和の番組を40年以上ぶりに再び聴いて、ああ、吉田氏にも絶対音感があったんだろうなと思った。それはモーツァルト交響曲第32番をクリストファー・ホグウッド古楽アンサンブルを指揮したレコードをかけた時、ピッチが低いけれどもとても面白いですよと言っていたことで気づいた。吉田氏もピアノを弾けるレベルには達していないけれどもK333のソナタなどをよく音にしていたというから私と同じようなプロセスで絶対音感を持つに至ったのではないかと想像している。

息子ヴォルフガングの天才に寄生して宮廷お抱えの楽師一家として余生を送ろうと企んだレオポルト・モーツァルトの野望を見破った女帝マリア・テレジア

 先月読んだかげはら史帆さんの『ベートーヴェンの捏造』(河出文庫,2023)の印象はとても強烈で忘れ難い。

 

www.kawade.co.jp

 

 この本については、モーツァルトの没後268回目の命日に公開した下記記事の最後に少しだけ触れた。

 

kj-books-and-music.hatenablog.com

 

 この本の単行本が出た2018年に、私と同世代のミステリ作家・宮部みゆきが「徹夜本」と絶賛した。

 

 

 歴史は勝者により語られる。まさにその通りであって、ベートーヴェンは彼に小判鮫のように貼りつき、「楽聖」その人からは蛇蝎の如く嫌われたシンドラーによって歴史が捏造された。彼の第5交響曲を「運命」と呼んだり、作品31-2のニ短調ピアノソナタを「テンペスト」と呼ぶのは、シンドラーの捏造に与することでしかない。

 モーツァルトの場合は、史実では彼の就職を妨害したのは神聖ローマ帝国の女帝マリア・テレジアだったことが確定した事実であるにもかかわらず、それを「イタ公」のせいだと信じ込んでいた陰謀論者の父親・レオポルトによる歴史捏造が今もまかり通っている。サリエリがその犠牲者の一人であることはいうまでもないが、15歳のモーツァルトが「にっくき」マリア・テレジアの依頼で書いた「劇場的セレナータ」(祝宴のための歌劇)である『アルバのアスカニオ』がミラノで好評を博したことは事実だが、同じ宴のために上演された女帝お気に入りのドイツ人オペラ作曲家のヨハン・アドルフ・ハッセ(1699-1783)のオペラがモーツァルトのセレナータに食われて不評に終わったとするのはレオポルトの宣伝に過ぎず、事実であったかどうかはきわめて疑わしい。

 私が深く信頼するサイト「mozart con grazia」には下記のように書かれている。以下の引用文は長いが、このところ私がこだわっている事柄が過不足なく、実にみごとにまとめられている。

 

この劇場セレナータの目的からして、モーツァルトは「純粋な装飾的作品」を仕上げるだけでよかった。 そのために「合唱曲と舞踏曲と2種類のレチタティーヴォを、できるだけすぐれた音楽の衣装に包んで並べることだけを考えればよかった」(アインシュタイン)のである。 登場人物のなかで、ヴィーナス(Venera)はもちろんマリア・テレジア女帝であり、主人公であるアスカニオは皇子フェルディナンド大公である。

 

大公新夫妻は、いわば自分たち自身の最初の出会いが舞台の上で、英雄的・牧歌的な仮装の姿で演ぜられるのを見るわけである。 フェルディナントはつまり女神ヴィーナスの孫アスカーニオであり、マリア・ベアトリーチェアルケーウスの種族から出た羊飼の娘シルヴィアである。 事件の唯一の紛糾は、ヴィーナスがその孫に、自分が選ばれた者であることをはじめから誇示するのを禁ずることから生じ、シルヴィアの失神で頂点に達する。

アインシュタイン] p.541

 

作曲者だけでなく、上演する関係者は皆この機会にかける意気込みは相当なものだった。 上演までの練習などの状況はレオポルトの手紙で詳しく知ることができるが、ここでは省略する。 初演は10月15日の婚礼の翌々日の17日に行われ、老ハッセのオペラ『ルッジェロ Ruggiero』を完全に食ってしまったという。 そしてハッセは「この子は今に我々みんなを忘れさせてしまうだろう」と予言したとも伝えられている。 レオポルトの手紙によると、15日は大聖堂で婚礼と祝宴、16日にオペラ、そして17日にセレナータが上演され、18〜20日は何もなく、21日月曜日にまたセレナータが演奏されるはずだったが、あまりの人気に19日にも上演されたほどだった。

 

1771年10月19日、レオポルトからザルツブルクの妻へ


今、劇場に行くところです。 というのは、16日はオペラ、そして17日にはセレナータでしたが、このセレナータはびっくりするほど人気があったので、今日もまたくりかえし上演されなければならないのです。 大公はまた筆写譜を二部お命じになられました。 要するにだ! お気の毒だが、ヴォルフガングのセレナータがハッセのオペラをすっかり打ち負かしてしまったので、私はそれをどう説明してよいのかわからないほどです。

[書簡全集 II] pp.302-303

 

少年モーツァルトが最長老ハッセを打ち負かしたかどうかはわからないが、好評だったことは確かのようである。

 

1771年11月9日、レオポルトからザルツブルクの妻へ


昨日は私たちはハッセ氏とごいっしょして、フィルミアーン伯爵閣下のお邸で食事をしました。 ハッセ氏もヴォルフガングも作品のためにすばらしい贈物を頂戴しました。 お金を頂戴したのに加えて、ハッセ氏は嗅ぎ煙草入れを、またヴォルフガングはダイヤモンドをちりばめた時計をもらいました。

同書 p.315

 

この大成功を足がかりに、レオポルトは息子をミラノで何らかの安心できる地位が得られるように、若いフェルディナント大公に働きかけていた。 大公はその願いにこたえるつもりがあったようで、彼は母マリア・テレジア女帝に相談したが、その返事がくる前に、モーツァルト父子は希望がかなわないまま12月5日にミラノを離れ、15日ザルツブルクに帰郷。 それから間もなく、マリア・テレジア女帝からミラノの大公に次のような手紙が送られたのだった。

 

1771年12月12日


あなたはザルツブルク出身の若い人を使いたいと私に頼んで来られました。 私はあなたが作曲家のような役立たずを何故必要となさるのか分かりませんし、信じられません。 勿論それでもあなたがそれで満足なのでしたら否やは申しません。 しかし私が言っているのはあなたが役立たずのことで苦情を言わなければということであって、そういう人達があなたに仕えているかのような肩書きのことまでは含めていません。 そういう人達がまるで乞食のように世界中をほっつき回るとしたらそれは職務を侮辱するものです。 それに乞食には大家族がつきものです。

[ドイッチュ&アイブル] pp.107-108

 

ただし、レオポルトがミラノの自分の息子の就職を目論んで動き回っている噂は、ミラノの大公から直接相談を受けるまでもなく、もっと早くからウィーンに届いていただろう。

 

母親に従順な大公は、もちろんそれ以上モーツァルトの採用も考えなかったし、彼になんの称号も与えなかった。 もしレーオポルトが、かつては自分の子供たちに大公家の御用済みの衣服を贈った慈悲深い国母陛下が、実際には自分とヴォルフガングについてどう考えていたかを知ったとしたら、どうだろう! 無用の者ども、芸術のジプシー、わずらわしいやから、とは! レーオポルトの忠誠心は傷つけられたことであろう。

アインシュタイン] p.53

 

オポルトザルツブルク大司教から認められたミラノ滞在期間を、いろいろ理由をつけて引き伸ばしていたため、10月と11月分の俸給支払い差し止めを受けていた。 無駄に時間をつぶし、モーツァルト父子がザルツブルクに帰郷した翌日、1771年12月16日、シュラッテンバッハ大司教が死去、73歳。 帰郷早々レオポルトは2ヶ月分の俸給支払いを請願しなければならなかった。 大司教の葬儀は翌1772年1月2日、ミハエル・ハイドンのレクイエムで執り行われた。

 

URL: https://www.marimo.or.jp/~chezy/mozart/works/ascanio.html

 

 上記引用文を読めば、「ヴォルフガングのセレナータがハッセのオペラを完全に食ってしまった」というのが陰謀論者レオポルトの一方的な宣伝に過ぎないことや、ヴォルフガングの宮廷への就職を妨害したのが他ならぬマリア・テレジアその人だったことが理解できるだろう。だから私はレオポルトに対してもマリア・テレジアに対しても「敵」と認定しているのである(笑)。

 もっとも、レオポルトこそヴォルフガングの才能を引き出した人であることは論を俟たないし、マリア・テレジアについても石井宏は著書『反音楽史』(新潮文庫, 2010)において下記の注目すべき指摘をしている。

 

 これまでの伝記ではモーツァルトの何度にも及ぶ就職運動は、彼が単独で採用されることを希望する行為ととらえられてきたが、メイナード・ソロモンは大著『モーツァルト(石井訳)の中で、父レオポルトの意図は常に “家族と一緒に働ける” か “家族を養うに足る” 職場という限定がついたものであることを喝破してモーツァルトの伝記に新しい側面を開いて見せた。それによっていくつかのほかの謎も解けるのであるが、ソロモンより二百年も前にマリア・テレジアモーツァルト青年の係累を問題にしている。つまりレオポルトの下心を見破っていたのであり、女帝の頭脳が並のものではないことに驚かされる。

 

(石井宏『反音楽史 - さらば、ベートーヴェン』(新潮文庫,2010) 40頁)

 

 要するに石井は、レオポルトには息子のヴォルフガングに寄生して余生を送ろうという野心があり、マリア・テレジアはそんなレオポルトの邪(よこしま)な狙いを見破ったというのである。この仮説が正しいなら、ヴォルフガングの就職活動は、あるは父だの姉だのといった係累が付録としてついてくるものでなければうまくいった可能性があることになる。

 もちろんそうなったなら、モーツァルトはワンオブただのイタリア・オペラ作曲家に終わり、ベートーヴェン以降の音楽もあのようにはならなかったことは明らかだが、ひとたびヴォルフガング・アマデー・モーツァルトに感情移入したからには、レオポルトに対する敵意をますます強めないわけにはいかない(笑)。

 そもそもレオポルトは、パリでヴォルフガングと同居していた妻が客死した時には「瀉血が遅かったのではないか」と息子宛の手紙に書いていた。お前が不注意だったから妻が死んだのだと言わんばかりだが、瀉血とはいったいいかなる療法だったのか。以下Wikipediaより。

 

瀉血(しゃけつ)とは、人体の血液を外部に排出させることで症状の改善を求める治療法の一つである。古くは中世ヨーロッパ、さらに近代のヨーロッパやアメリカ合衆国の医師たちに熱心に信じられ、さかんに行われた[1] が、現代では医学的根拠は無かったと考えられている。

現在の瀉血は限定的な症状の治療に用いられるのみである。

 

ヨーロッパでの瀉血の歴史[編集]

(前略)さらに時代を下ると伝染病敗血症循環器系障害等にまで積極的に使用されたという。この時代においては衛生の維持が不十分であったため、切開部が感染症を引き起こすことも多く、また体力が落ちている患者にまで瀉血療法を行った結果、いたずらに体力を消耗させ、死に至るケースも珍しくなかった。このようなケースで亡くなったと見られる著名人には、エイダ・ラブレスモーツァルトジョージ・ワシントンなどがいる。(後略)

 

出典:瀉血 - Wikipedia

 

 なんと、1791年のヴォルフガング自身の直接の死因は問題の瀉血療法だったと考えられているのだ。そしてモーツァルトの母(レオポルトの妻)アンナ・マリアも1778年6月11日に行われた瀉血の直後に容態が悪化して寝たきりになり、ほぼ3週間後の7月3日に亡くなったのだった。もしモーツァルト母子のパリ旅行にレオポルトが同行していたとしたら、アンナ・マリアの死期はさらに早まったであろうことはほぼ確実だろう。レオポルトとはなんと罪深い人間だったのだろうか。

 とはいえ、もともとパリまで息子に同行する計画ではなかったアンナ・マリアがパリまで息子についてきたのは、途中で立ち寄ったマンハイムで当時15歳だったアロイジア・ヴェーバーにのぼせ上がってしまった息子を監視するためだったというのだから、あえて冷たい書き方をすると、半分は自滅に近いともいえる。

 さらに余談になるが、この経緯は1827年ベートーヴェンが死んだ時のことを連想させる。ベートーヴェンは甥のカールを自分の思い通りにしようとして甥を自殺未遂に追い込んだ挙句に、甥と一緒に田舎暮らしを始めたが、突然それが嫌になって冬に馬車で無理にウィーンに戻ろうとしたために体調を崩して死に至ったのだった。このあたりの経緯はたとえば前述のかげはら史帆『ベートーヴェン捏造』に書かれている。ベートーヴェンを神聖視していたロマン・ロラン(1866-1944)はカールをならず者のように書いたというが、かげはらは前述書において下記のように書いている。

 

 ベートーヴェンは、なぜ甥に対して病的な執着心をもってしまったのか。彼自身が幼少期に父ヨハンから受けたスパルタ教育のトラウマが虐待の連鎖を生み、甥への過度の束縛につながったという見方が現在では一般的だ。カールが成長するにつれ、叔父と甥はたびたび衝突するようになった。

 

(かげはら史帆『ベートーヴェン捏造 - 名プロデューサーは嘘をつく』(河出文庫,2023) 121頁)

 

 かげはらさんといえば、彼女がポストした下記Xが非常に印象に残った。私はXのアカウントを持っていないためなかなかXにはアクセスしづらいので、忘れないうちにリンクを張っておく。

 

 

 「ヨゼP」には本当に笑ってしまった。昔、というか1998年にプロ野球セ・リーグ日本シリーズで38年ぶりの優勝を遂げた(後者の間隔は昨年の阪神タイガースと全く同じ)横浜ベイスターズ戸叶尚(とかの・ひさし)投手が女性ファンたちから「トカ P」と呼ばれていて、それをホエールズ時代からのファンに揶揄されていたことを思い出したが、かげはらさんは「ヨゼP」呼ばわりからは想像もつかない本格派だ。そのことは『ベートーヴェン捏造』巻末の註(参照文献)を見るだけで明らかだろう。前記石井宏の本にはレファレンスなどつけられていないのである。

 やはり時代は変わるものだなあと痛感する。私が1970年代に西洋のクラシック音楽に親しむようになった頃には、クラシックについて書かれた日本の文章は権威主義に満ちあふれていた。ある者はベートーヴェンフルトヴェングラークナッパーツブッシュらを神聖視し(宇野功芳もその一人だった)、別のある者は「社会主義リアリズム」を信奉していた。前述の宇野のように、一見自由奔放に書いていたかのように見えた者も、その内実は権威主義者そのものだった。私など、同じ音楽雑誌で宇野をこき下ろしていた諸井誠(1930-2013)の評論に快哉を叫んだものだ(1980〜90年代だった)。

 その当時と比較して、かげはら史帆さんに代表される、私より若い世代による西洋音楽の受容の自由自在さに今頃になって気づいて目を見開かされる。やはり時代は進歩していくものだ。つまらない保守思想なんかにかまけるのはやはり間違っていると改めて思った。

 またかげはらさんのベートーヴェンもの(というよりシンドラーもの)を単行本初出時に絶賛していた、私と同世代にして現在私が住む東京都江東区出身の宮部みゆきにも感心した。こんな感受性はたとえば東野圭吾(私と同郷の大阪府出身)などには持ち合わせはあるまい。余談だが先日、宮部氏が1993年に書いたエスパーものの時代小説『震える岩』を読んだのだった。

 

bookclub.kodansha.co.jp

 

 モーツァルトに話を戻す。前記「mozart con grazia」や石井宏の本は例外として、少年モーツァルトの「劇場用セレナータ」が老ハッセのオペラを食ってしまったという、18世紀にレオポルト・モーツァルトが捏造した歴史をいまだに鵜呑みにしている例ばかり見てうんざりした私は、この経緯について吉田秀和(1913-2012)はNHK-FMでどう紹介したのだろうかと興味津々で、1981年に放送されたこの放送の第38回*1のYouYubeの動画を視聴した。下記にリンクを示す。

 

www.youtube.com

 

 私は吉田秀和もどうせレオポルトが発した嘘宣伝を受け売りして垂れ流してたんだろうなと想像していた。

 しかし違った。以下、YouTubeの「文字起こし」を参照しながら引用する。動画の11分51秒あたりからだ。

 

 結果は大成功。

 同じ機会に、当時国際的にも名声の非常に高かったヨーハン・アードルフ・ハッセという作曲家が、オペラ・セリア『ルッジェーロ』というのを新しく書いて上演したんですけども、レオポルトの手紙によりますと、そのハッセのオペラよりも、モーツァルトの書いたセレナータ・テアトラーレ (serenata teatrale =劇場用セレナータ) の方がはるかに好評を得て、その後でも何回も繰り返し上演されて、ハッセには気の毒みたいだ、というようなことが書いてあります。

 まあ、本当か嘘か。根も葉もないことでもないんでしょうけど、レオポルトっていう人は、どちらかというとあの、やっぱり評判が良かった、とても成功した、何回もやられた、だから競争相手はうまくいかなかったということを書きたがる傾向がありますね。それはやっぱり当時いろんなことで、情報が遠いところまですぐ伝わるというわけにはいきかねた時代に、子どものモーツァルトが作曲したらその曲の評判がどうだった 皆知りたがる時に、早く自分の手でその評判を送っておきたいというそういう気持ちがなかったとはいえないような気が僕はいたします。

 

吉田秀和「名曲のたのしみ モーツァルト 音楽とその生涯」第38回 (1981年3月1日、NHK-FMにて放送)

 

URL: https://www.youtube.com/watch?v=1Sh8FqXCun0

 

 さすがはモーツァルトの手紙の選集を出したことのある評論家だけのことはあって、吉田秀和レオポルト・モーツァルトの性格(の難点)をきっちり押さえた解説をしていたのだった。

 だからこそ今でも番組がYouTubeにアップロードされて聴かれるのだろう。

 私が初めてYouTubeのこのシリーズにアクセスしたのは、昨年10月末か11月初めだったと記憶するが、その後別の方による吉田秀和の番組のアップロードなどがあったためか、チャンネルの登録者数がこのところ徐々に増えているようだ。実は私はまだ登録していないのだが、近いうちに登録しようと思っている。今のところ、初回から今回紹介した「アルバのアスカニオ」の第1回までと、私が少年時代に聴いていたこの番組の第1期(1974〜80年)の放送と内容が被り始める第100回前後からあとの放送を聴いたが、当時この放送をほぼ欠かさずエアチェックして現在それらをYouTubeにアップロードされているのは、いささか大袈裟な表現かもしれないけれども、たいへんな偉業であると深く感服する次第だ。

*1:YouTube動画の画面には「第37回」とあるが、ファイルをアップロードできなかった放送がそれまでに1回あるので、NHK-FMの番組としては第38回にあたる。

「伝ハイドン」→「伝レオポルト・モーツァルト」→「アンゲラー作」の「おもちゃのシンフォニー」をBGMにしたNHK「おかあさんといっしょ」のアニメと半世紀以上ぶりに再会した/「アルビノーニのアダージョ」は20世紀の研究家による偽作

 これまで記事にしようと思いながらなかなか書けなかったクラシック音楽関係の暇ネタを放出することにする。

 私が小学生だった1971年頃に、よくNHKの「おかあさんといっしょ」で昔ハイドン作と思われていた時代が長かったらしい「おもちゃのシンフォニー」をBGMにしたアニメーションが流れていたことがあった。私には年少の妹があり、テレビでこの番組がよくついていた。

 その後中学生になって1975年の夏休みにNHK-FMで故千蔵八郎武蔵野音楽大学名誉教授(1923-2010)が解説したクラシック音楽入門の特集が平日の5日間だったか10日間(2週間)のどちらだったかは忘れたが聴いた。この時の印象が強烈で、その後すぐに聴き始めた吉田秀和(1913-2012)の「名曲のたのしみ モーツァルトの音楽とその生涯」とともに私の趣味と嗜好を決定づけた*1。その千蔵氏の番組でだったかどうか、「おもちゃのシンフォニー」が紹介された。実は原作はハイドンではなくレオポルト・モーツァルトの作品だとも解説されたような気もするがさだかではない。現在ではエドムント・アンゲラー(1740-1794)という人の作品だということになっているが、本当にこの人のオリジナルの作品であるかどうかについては異論があるようだ*2。ほぼ間違いないのは番組に「おもちゃのシンフォニー」がかかったことで、私はそれを聴いて、あっ、「おかあさんといっしょ」で流れていたあの曲だと思ったのだった。現在ではクラシックのオーケストラがこの曲を録音してCDなりにして発売する機会はほとんどないと思われるが、ネット検索をかけたらカラヤンが1957年にフィルハーモニア管弦楽団を指揮した録音がYouTubeにあった。下記にリンクする。

 

www.youtube.com

 

 それから半世紀近くが経つ。

 この間ネット検索をかけたら、「おかあさんといっしょ」で流れていたアニメーションに関するQ&Aがいくつか引っかかった。下記は2022年のYahoo! 知恵袋へのリンク。

 

detail.chiebukuro.yahoo.co.jp

 

 以下引用する。

 

ID非公開さん

2022/6/5 22:51

 

45年くらい前の子供向けテレビ番組の中で、ハイドンのおもちゃの交響曲にのせて、折り紙の風車を並べた物ような模様か、幾何学模様のような物が、

あちこちランダムにパクパク開いたり閉じたりするような映像ってありませんでしたっけ?

おぼろげに消えかけている記憶で、そんな映像をうっすらと覚えています。

ナレーションや登場人物はありません。

番組はカリキュラマシーンかなという気がしていますが。

何の番組かお分かりでしたら教えてください。

できればその映像がまた見たいのですが、どこかで見れるでしょうか。

 

ベストアンサー

レンタルおっさんさん

2022/6/8 22:58

 

それ、NH教育だったような記憶があります。

 

質問者からのお礼コメント

 

NHKと教えてくださりありがとうございます。教えてくださったおかげでNHK おもちゃの交響曲と検索して分かった事がいくつかありました。71年頃?の、おかあさんといっしょの、幼児のためのアニメーションというコーナーで作られた物で、もう映像は残っていないようです。

夢のような記憶なので、夢ではない事が分かってとても嬉しいです。ありがとうございました!

 

お礼日時:2022/6/10 14:09

 

 Yahoo! 知恵袋には上記の12年前の2010年にも同様のQ&Aがあった。

 

detail.chiebukuro.yahoo.co.jp

 

 以下引用する。

 

joh********さん

2010/8/14 18:57

 

35~40年くらい前NHKの教育テレビで、”おもちゃの交響曲”に合わせて四角や三角が人の形になったりするアニメーションがありましたよね?

35~40年くらい前NHKの教育テレビで”おもちゃの交響曲”に合わせて四角や三角が人の形になったりするアニメーションがありましたよね?非常に短いアナログのアニメーションで、おもちゃの交響曲の第一楽章と第三楽章があったような気がします。第三楽章は鳥が、人の体をくわえて逃げていくような内容で、インパクトがあったのでいまだに記憶に残っています。先日家族でその話が出て、なんとかその映像が見たくなり、you tubeで探したのですが、見つかりませんでした。

みなさん記憶にありませんか?どこか見れるサイトはありませんか?

ベストアンサー

 

エルガーさん

2010/8/16 16:42

 

私もそのようなアニメ、すごく印象に残っています。鳥とか、三角形や四角形とか万華鏡のように出てきて、おもちゃの交響曲がそのアニメにすごくはまっていたんですよね。私も今でもこの交響曲を聴くと、じつはそのアニメを思い出すのですよ。(笑い)

 

時期としては昭和46年(1971年)くらいかな、たしか「みんなの歌」ではないのですが、「みんなの歌」とか子供向けの番組の合間にやっていたような…それも夕方頃だったかなあ…。

 

ユーチューブでもないかもしれませんし、もうNHKの“資料館”くらいの世界かもしれませんね。当時はおそらく番組として載っていたはずですから、昔の新聞の縮刷版などの番組表に、そのアニメの番組が載っているかもしれません。それでそれが番組クラスのものであれば、NHKに聞いてみれば、何か収穫があるかもしれませんね。

 

自分も当時子供でして、そのアニメとか、夕方6時からの「こどもニュース」とその時のBGMとか、6時以降の「ねこじゃら市の11人」とか、「アバラ」とかいう犬が出てくるドラマなんて、記憶にあります。

 

話しがずれて恐縮ですが、一番強烈だったのは、これもNHKですが、ニュースか天気予報の合間か何かに、こんなこわいCM(というかキャンペーン・フィラー)がありました。

あらすじは、不気味なBGMとともに子供が池で一人で遊んでいて、そのうち、池にその子が遊んでいた遊具が浮かんでいて、「けんちゃん、どこいったのかしら」という母の声という設定で、子供の水遊びは注意しましょう、なんていうテロップがすうっとでてくるのです。いまのACなんで問題にならないくらいこわかったです。

 

 ベストアンサーの最後に書かれている「こわいCM」は全く知らない。

 しかし、1971年頃にNHKの「おかあさんといっしょ」で流れていた「おもちゃのシンフォニー」つきのアニメーションはネット検索にヒットした。YouTubeではなくTikTokにあった。下記にリンクに示す。

 

www.tiktok.com

 

 質問者の方は「おもちゃの交響曲の第一楽章と第三楽章があったような気がします」と書かれているが、BGMに使われているのは第2楽章と第3楽章だ。同じ音楽が加速しながら演奏される第3楽章は印象的だ*3

 でも、不思議なことに1975年にNHK-FMでこの曲を聴いた時には、第1楽章にも聴き覚えがあった。それで思ったのは、もしかしたらこのアニメーションに別のバージョンがあったのではないかということだ。つまりもう1つは第1楽章をバックにしていたのではないか。こう考えてみると、そういえば昔からアニメーションには2種類あったって思ってなかったっけ、とも思う。

 いずれにせよ1971年頃のアニメーションとのことだから、半世紀以上経ってから再会したしたことになる。長い間生きていたらこんなこともあるのだなあ。

 以下は長い余談。おもちゃのシンフォニーの本当の最初の作者はパパ・ハイドンでもヴォルファール(ヴォルフガングの愛称。間違っても「アマデウス」ではない)のステージ・パパだったレオポルトでもなさそうだが、この時代には偽作(贋作)や疑作が多かった。モーツァルト(ヴォルファールの方)の作品がどうか疑わしいとされる曲の中には、当時のイタリアの人気作曲家だったルイジ・ボッケリーニ(1743-1805)の某作に似ていることが疑われた理由だったが、そのボッケリーニの曲自体が別人の作品(「類似ボッケリーニ」だった?)だったことが判明した例などもあるそうだ。もちろん、似ていたのが偽作だったからといって「伝モーツァルト」の作品が真作とされるようになったわけではない。

 私は1976年からバッハをはじめとするバロック音楽も聴くようになったが、その頃から別人の作品ではないかと疑っていたのが「アルビノーニアダージョ」だった。というのは、有名なこの作品を知る前に、トマゾ・アルビノーニ(1671-1751)の「オーボエ協奏曲ニ短調作品9-2」を聴き、その第2楽章アダージョに感心したことがあったのだが、そのイメージと「アルビノーニアダージョ」との印象が全く違っていたからだ。

 まずオーボエ協奏曲の方は下記。

 

www.youtube.com

 

 第2楽章アダージョは4分12秒くらいから始まる。アルビノーニはイタリアの人気オペラ作曲家だったらしいがオペラの楽譜は大部分が逸失し、現在では作品番号つきで印刷された器楽曲が主に聴かれる。しかし私の知る限り、この作品9-2のアダージョが飛び抜けて印象に残り、アルビノーニの他の作品でこれに匹敵する曲に出会ったことはない。上記リンクは現代音楽の作曲でも知られるハインツ・ホリガーオーボエとイ・ムジチ合奏団の演奏で、昔からこれが定番だった。

 一方「アルビノーニアダージョ」は下記。カラヤン指揮ベルリン・フィルの演奏だが、この元ナチ党員は本当に雑食性の人だったんだなあと改めて思う。こちらのYouTubeは24万回も再生されていて今も大評判のようだが、私には「何だ、このムードミュージックは」としか思われない。

 

www.youtube.com

 

 そういえばこの「アダージョカラヤン」というのはずいぶんな人気盤だったが私は持っていない。嘆かわしいことにこのCDで「アルビノーニアダージョ」の直前に収められているのがモーツァルトのK287のディヴェルティメント変ロ長調の第4楽章で、これはカラヤンの指揮にしては珍しく、決して悪くはないのだが、私が持っているのはジェフリー・テイト指揮イギリス室内管弦楽団の演奏で、テイト盤ではソナタ形式のこの楽章の提示部ばかりか展開部から再現部までもリピートしているのでこの楽章に10分以上をかけているので、このシューベルトばりの「天国的な長さ」の演奏の方が良いと思う。「アダージョカラヤン」で「アルビノーニアダージョ」のあとに入っているのはベートーヴェンの第7交響曲の第2楽章だが、この楽章はアレグレットであって決してアダージョではないはずだ。

 カラヤンの悪口ばかりになってしまったが、アルビノーニアダージョが偽作であることが正式に判明したのは1990年のことだったそうだ。以下Wikipediaより。

 

アダージョ ト短調』は、レモ・ジャゾットが作曲した弦楽合奏オルガンのための楽曲。弦楽合奏のみでも演奏される。1958年に初めて出版された。

この作品は、トマゾ・アルビノーニの『ソナタ ト短調』の断片に基づく編曲と推測され、その断片は第二次世界大戦中の連合軍によるドレスデン空襲の後で、旧ザクセン国立図書館の廃墟から発見されたと伝えられてきた。作品は常に「アルビノーニアダージョ」や「アルビノーニ作曲のト短調アダージョ、ジャゾット編曲」などと呼ばれてきた。しかしこの作品はジャゾット独自の作品であり、原作となるアルビノーニの素材はまったく含まれていなかった[1]

大衆文化における「アダージョ」の利用[編集]

雄渾多感な旋律と陰翳に富んだ和声法ゆえの親しみやすい印象から広まり、クラシック音楽の入門としてだけでなく、ポピュラー音楽に転用されたり、BGMや映像作品の伴奏音楽として利用されたりした。

また、日本や欧米では葬儀のとき最も使われている曲の一つでもある。ドアーズのアルバム『アメリカン・プレイヤー』収録の「友人同士の宴」では、『アルビノーニアダージョ』の編曲と思しき楽曲に乗せてジム・モリスンが詩の朗読を行なっており、イングヴェイ・マルムスティーンの『イカロス組曲』作品4は、もっぱら『アルビノーニアダージョ』を下敷きにしている。DJティエストTiësto)はアルバム『Parade of the Athletes』(2004年アテネオリンピック開会式に使用され、日本選手団の入場の際に流れていた)において、『バーバーのアダージョ』とともに『アルビノーニアダージョ』を用いた。ルネッサンスは、『アルビノーニアダージョ』に歌詞をつけて「Cold is Being」という曲にしている(アルバム『運命のカード』に収録)[2]

オーソン・ウェルズ1962年の映画『審判』(The Trial)やルドルフ・トーメRudolf Thome)監督の1970年の『Rote Sonne』、『ローラーボール』(1975年制作版)やメル・ギブソン主演の1981年『誓い』(Gallipoli)、2015年成島出の映画『ソロモンの偽証 前篇・事件[3]といった映画の伴奏音楽ないしはテーマ曲として利用されている。

1992年5月、ボスニア内戦で包囲されたサラエボ市内の市場裏で食料品を買おうとしていて砲弾の直撃で亡くなった22人の民間人死者を追悼し、その翌日から地元のチェリスト、ヴェドラン・スマイロヴィッチが「アダージョ」を22日間その場で演奏した。このエピソードを元にした小説、スティーヴン・ギャロウェイ『サラエボチェリスト』が書かれた。[4]

 

URL: アルビノーニのアダージョ - Wikipedia

 

 幸か不幸か、私は「アルビノーニアダージョ」が好きだったことは一度もなかった。偽作であることが確定していたとは今回のネット検索で知ったばかりだが、さもありなんとしか思わなかった。

*1:このうち吉田秀和の番組はモーツァルトの生涯に沿って作品を順次紹介していくもので、第1期は1974年1月に始まって1980年1月に終わった。その後モーツァルトのレコードが増えて、第1期には紹介できなかった作品も紹介できるようになったとの名目で、同じ趣向の放送が1980年4月から1987年1月までもう一度行われた。以前にも何度か書いたことだが、私が驚いたことに、この第2期の放送をほぼ毎回エアチェックした上、そのカセットテープを保存されている方がいて、2017年から現在に至るまで、録音し損ねた何度かの回を除いて第1回から1983年4月放送分までをYouTubeにアップロードされているので、今でも吉田氏の声を聴き直すことができる(それ以降の放送分も徐々にアップロードされると思われる)。NHKにはおそらく第1期の初めの頃の録音は残っていないだろうが、一般家庭にもラジカセが普及していた第2期の放送あたりは全部NHKに残っているのではないかと思われるが、そのあたりは明らかにされていない。吉田氏の没後に時々かつての放送の一部が再放送されたことがあるようなので、ある時期以降は録音が残っていることは確実だろう。しかし私が聴き始めた1975年の8月だか9月だかはわからないけれども、その時期となると残っていない可能性の方が高そうだ。第2期は非常に幸運なことに今でも初回から聴けるけれども、第1期は最終回に至るまでYouTube等で聴き直したことは一度もない。

*2:この件の論考に関しては下記URLを参照されたい。http://jymid.music.coocan.jp/kaisetu/kindersym.htm

*3:なおNHK版(?)ではメロディーの途中で加速しているが、原曲では同じ音楽がテンポを変えて、あとほど速く3度繰り返される。

「弾薬のように短気」だったモーツァルトとその苦難の人生

 モーツァルトベートーヴェンに関して、片割月さんと仰る方から2件のコメントをいただいた。反応が遅れて誠に申し訳ないけれども、以下にご紹介する。コメントを引用しようとして初めて気づいたのだが、下記のブログを運営されている。

 

nw7hvnc37uel.blog.fc2.com

 

 2021年までは下記ブログを運営されていたようだ。

 

poppy445.blog.fc2.com

 

 いずれも私の古巣である懐かしのFC2ブログだ。私は2006年4月にFC2ブログを開設し、同年7月に当初は副次的なブログとしての位置付けで「はてなダイアリー」を開設したが、2011年にFC2ブログのサーバー "fc63" がひどいトラブルを起こした。その頃から徐々にはてなダイアリーを中心に運営するようになり、現在に至っている。

 『徒然草子』の最初の下記記事を拝読した。

 

ブログの名前は「枕草子」と「徒然草」をミックスしたものですが、同じ名前のブログがいくつもあるんですね(汗)

ま、いいか。

日本の古典文学では源氏物語枕草子が大好きです。

清女、紫女はひたすら仰ぎ見る存在ですが、私は月女として、心ひとつに、おのづから思ふことを、たはぶれに書きつけんと思います。

 

URL: http://poppy445.blog.fc2.com/blog-entry-1.html

 

 私は学校では古文が一番苦手で、次いで英語と歴史が苦手でした。基本的に理系の人間でしたが、文系で唯一得意だったのは政治経済で、だからブログはその方面ばかり書いています。

 もともと理系人間だった私が現在では文系方面のことばかり書くのは、30代後半から40代前半にかけて組織内で苦難の時代を経験し、それを契機に人間に対する関心が強まったからでした。

 音楽については、子ども時代から若い頃にかけては音楽そのものにしか興味がなかったので、音楽と社会や文化との関係はほとんど考えませんでした。歳をとった今になって、やっと両者を結びつけて考えるようになり、その観点から昔大好きだったモーツァルトをみると、実に興味深い人生だったこと、それも一般に思われているイメージとは異なって、ベートーヴェンにまさるとも劣らないくらいにたいへん苦難に満ちた人生を送ったことを認識して、数十年ぶりにモーツァルト熱が再燃したというのが昨年10月末以来現在までのことです。いや、その少し前の時期にも、大のモーツァルティアンだった大岡昇平の音楽論を集めた本(珍品!)を読みながらモーツァルトを聴いたりはしていましたけど。

 片割月さんのブログの古い2011年の記事から以下に少し引用します。フィギュアスケート浅田真央さんに関する記事です。

 

昨季の「バラード」や今季の「ジュピター」もそうだが、真央選手の演技は古典派のギャラント様式、又はロココ様式の美しさを思わせる。

見る度に癒される。

 

ゴテゴテした装飾を取り除き、流麗にして風雅、簡素にして明朗。音楽で言えばモーツァルトがパリ滞在時に作曲した一群のピアノ・ソナタやセレナードのような楽想が、まるで通奏低音として真央選手の足下から聞こえてくるようだ。

 

URL: http://poppy445.blog.fc2.com/blog-entry-16.html

 

 ところがどっこい。実は私も最近認識したばかりなのですが、パリはモーツァルトにとってあらゆるヨーロッパの都市の中で相性が最悪だった都市で*1マンハイムで熱愛したアロイジア・ヴェーバーと彼女の一家にしばしの別れを惜しまれながら(とモーツァルトは勝手に思っていた)やってきたこの都市でさんざんに冷遇されたり、母親を亡くして、それをモーツァルトのせいだと思い込んだ父や姉との後年の不和の遠因になったり、果ては故郷・ザルツブルクへの帰途で立ち寄ったミュンヘンで(ヴェーバー一家はマンハイムから移転していました)アロイジアに相手にされず失恋したり(アロイジアはパリで就職できなかった無職のモーツァルトになど用はなかったと言われています)とさんざんな日々を送りました。以前はモーツァルトはパリで5曲のピアノソナタを作曲したとされていましたが、近年第10番K330から第13番K333まではもっとあとの時代の作品であることが判明し、第7番K309と第9番K311はパリに行く前に立ち寄ったマンハイムで書いていたので、パリではピアノソナタは第8番イ短調K310ただ一曲を書いただけでした。K310がどんな曲かご説明の必要はありますまい。またモーツァルトが得意とした機会音楽であるセレナードはパリでは一曲も作られませんでした。モーツァルトは手紙で、イタリア語の歌詞の歌をフランス語で歌われてはたまらない、とフランス語およびフランス人をこき下ろしています。

 ようやく本論に入る。片割月さんからいただいた2件のコメントを以下に引用する。

 

kj-books-and-music.hatenablog.com

 

片割月 

 

初めましてm(__)m

以前からkojitaken様のブログ、面白く拝見しておりました。

私はモーツァルトについては宗教音楽とオペラは素晴らしく、深い感銘を受けて来ましたが、彼の器楽曲の方はイマイチ(クラリネット協奏曲は例外的に感銘を受けましたが)でした。

が、この数年、色々と聴き込んで来まして、ピアノ協奏曲の良さも少しづつですが分かって来ました。その中では24番と25番は素晴らしいと思います。特に24番は出だしがまるでホラー映画かサスペンスドラマの効果音の如き、異様な戦慄、いや、旋律に衝撃を受けました。オペラの「ドン・ジョバンニ」の世界をも連想させます。なかなか急進的な音楽。まるで、貴族を中心とした聴衆のことなど忘れたかのような。

私はこの24番とクラリネット協奏曲が今の所、一番好きです。御存知と思いますが、クラリネット協奏曲も実はなかなか急進的というか、第一楽章の展開部や第三楽章の終結部(コーダ)における…モーツァルトとしては…異例とも言えるほどの長大さに、次のベートーヴェンを先取りした感もします。そして、クラリネットの哀愁漂う音色が曲にピッタリです。涙が流れそうな程に。

25番の「ダ・ダ・ダ・ダーン」が「運命」の動機ですか。なるほど、言われてみればそうですね。が、何とも言えないのかな。当時の作曲家達が先達の旋律や動機を「借用」したり、無意識のうちに取り入れてしまうことは良くあったそうですし。偶然も少なくなかったのではないでしょうか。

御存知と思いますが、これなどまさに、「盗作か」と思えるくらいに似ていますよね。

モーツァルト「オフェットリウム」K222
動画の1分10秒から「歓喜の歌」が流れる
https://www.youtube.com/watch?v=x82r-149QGY&t=2s

初めてなのに図々しくも長文になってしまい済みません。

また、お邪魔させて下さいませm(__)m

 

 件の「タタタターン」の4音動機ですが、「運命はかく扉を叩く」というのはベートーヴェンの自称弟子・シンドラーの捏造で、ベートーヴェンは実際にはそんなことは言っていないらしいので、以後「運命の動機」という言葉は使わないことにします。そもそも、ベートーヴェンの第5交響曲については、高校生時代に学校の図書館に置いてあった『吉田秀和全集』(白水社)中の「名曲300選」*2

私は、ベートーヴェンの作品、ことに『第五』などは、今や、標題楽的な考え方を、まったく排除してきいて、しかも傑作であることを、直接経験すべきだと思う。

吉田秀和『LP300選』(新潮文庫,1981)157頁)

と書かれているのを読んで以来、「運命」という副題を基本的に使わないことにしています。でもブログの記事では、いちいち断るのは面倒ですし。「運命の動機」は便利な言葉なので妥協して「運命」の2文字を使っていたのでした。でもシンドラーの悪行を描いたかげはら史帆さんの『ベートーヴェン捏造』も読んだことですし、今後はシンドラーなんぞに靡いてたまるかとの思いも込めて「タタタターン」または「『タタタターン』の4音動機」と表記することにします。

 で、その「タタタターン」が他の作曲家、特にハイドンモーツァルトが多用していた事実は確かにありますし、そのことはこのブログにも何度も書いたのですが、モーツァルトのピアノ協奏曲第25番の第1楽章には楽章全体がこのリズムパターンで統一されている点に特徴があり、ベートーヴェンの第5交響曲はそのコンセプトを一つの楽章だけではなく曲全体を統一するところに新しさがあったと思ったのでした。つまり、ベートーヴェンが得意とした構造美についてもモーツァルトは先駆者だったことを、ブログ記事中に引用した他の方が書いた文章を通じて認識した次第です。もっとも、そういう点ではハイドンの音楽により先駆的な作品が多く見出されるとも思いますが(ハイドンには実に実験的な作品が多く、感心させられます)。

 それから「第九」の「歓喜の歌」と同じ節が出てくるモーツァルトのK222、ニ短調のオッフェルトリウムは、調性が同じレクィエムK626の先駆的作品として知られていますが、ネットで調べてみるとこの曲をベートーヴェンが実際に知っていた可能性がかなりあるようです。

 

note.com

 

 以下引用します。

 

ベートーヴェン交響曲第9番の主題となる歓喜のメロディーの最初の形は、1794~95年作の歌曲「愛されない男のため息-応えてくれる愛」(相愛)に現れます。この歌曲を第1歩として、1803年には歌曲「人生の幸せ」(「友情の幸せ」)、1808年のピアノ、合唱と管弦楽のための幻想曲ハ短調「合唱幻想曲」に、1810年の歌曲「彩られたリボンで」に、1819年の歌曲「さあ、友よ結婚の神を賛美せよ」(結婚歌)に1822年の歌曲「盟友歌」にと、1本の赤い糸のようにベートーヴェンの作曲活動の間をぬってきています。(1)

 

 モーツァルトのオッフェルトリウム「ミセリコルディアス・ドミニ」K.222にベートーヴェン歓喜の歌のメロディーが現れることが知られていますが、音楽史年表からベートーヴェンモーツァルトのこのモテットの主題を使用したのではないかとの仮説が得られます。

 

 1775年、モーツァルトはこのモテットをバイエルン選帝侯の依頼によって作曲しましたが、その初演の1月半の後、ウィーン宮廷のマクシミリアン・フランツ大公がザルツブルクを訪れ、モーツァルトは歓迎のために牧歌劇「羊飼いの王」K.208を作曲し、上演しています。マクシミリアン大公は1768年に12歳のときにウィーンでモーツァルトの孤児院ミサ曲K.139を聴き大きな感動を得て、それ以来皇帝ヨーゼフ2世とともにモーツァルトを擁護していました。モーツァルトは孤児院ミサ曲以来7年間の教会音楽における自身の作曲者として成長を示すために、このオッフェルトリウムの楽譜をマクシミリアン大公に奉呈したのではないかとみられます。

 

 後に、マクシミリアン大公はケルン大司教・選帝侯としてボンに赴任しますが、ボンを新たな音楽の都にするために、モーツァルトの歌劇を含めた多くの楽譜がボンに持ち込まれました。ボンに新たに創設された宮廷楽団には、ビオラ奏者として若きベートーヴェンが加わりますが、ベートーヴェンは宮廷音楽家として多くのモーツァルトの作品を演奏します。この折にベートーヴェンモーツァルトのモテットのメロディーを書き留めたとしても不思議ではありません。なお、この時代、作曲者が他の作曲者の主題を利用し作曲することはよく行われていたことですし、変奏曲の主題に他の作曲家の主題を用いることも多く行われていました。

 

音楽史年表より】

1775年3月初旬初演、モーツァルト(19)、オッフェルトリウム「ミセリコルディアス・ドミニ(主のお憐れみを)」ニ短調K.222

ミュンヘンの選帝侯礼拝堂で初演される。バイエルン選帝侯マクシミリアン3世の所望に応じて、自らの対位法的力量を示すべく作曲される。(2)

この曲の中でバイオリンが度々、ベートーヴェン交響曲第9番の終楽章の歓喜の歌の旋律をかなでる。(3)

 

URL: https://note.com/ahayakawa500/n/na31c83ba7def

 

 K222では「歓喜の歌」の旋律は、最初はヴァイオリンでニ短調の平行長調であるヘ長調で奏されますが、最後はニ短調で繰り返し出てくるので、音楽は当然ながら「第九」よりは「レクィエム」の世界にずっと近いです。メロディーについては、中田章が作曲した「早春譜」やそれに似ているとよく言われる「知床旅情」がモーツァルトの「春への憧れ」K596やその原型であるピアノ協奏曲第27番K595の終楽章のロンド主題と同じように、あるいはモーツァルトの「バスティアンとバスティエンヌ」K50の序曲とベートーヴェンエロイカと同じように、分散和音か二度音程の繰り返しかの違いこそあるもののありふれたメロディーなので、偶然似てしまった可能性が強く、ベートーヴェンの第5交響曲のスケッチにモーツァルト第40番のフィナーレのメロディーが書かれていたらしい例(こちらはほぼ確実にモーツァルトからの「引用」であろうと推測されます)とは違います。ただ、調性も異なり楽譜も流布していなかったであろう「バスティアンとバスティエンヌ」序曲(ト長調)とエロイカ変ホ長調)の場合はほぼ間違いなく偶然だろうと思いますが、K222と「歓喜の歌」とは本当に判断がつきません。なおエロイカの場合はむしろモーツァルトの第39番K.543の第1楽章の方が類似性が高いのではないかとも思います。同じ変ホ長調ですし。K222はヘ長調ニ短調で「歓喜の歌」はニ長調であるところが意味深です。ニ短調は第9の第1,2楽章の調性ですし。でもベートーヴェンが「歓喜の歌」の節を使おうとした先例として有名な合唱幻想曲作品80ではハ長調で出てきますから、それを考えるとやっぱり偶然かなとも思います。もっとも合唱幻想曲の節は同じベートーヴェンの曲の割にはモーツァルトのK222と比較しても「歓喜の歌」に似ていないようにも思いますが。

 片割月さんからはもう1件コメントをいただいている。

 

kj-books-and-music.hatenablog.com

 

片割月 

 

kojitaken様、こんばんは。

>私がモーツァルトにはまったのは中学生時代の1975年で
>このうち第5番は亡父が大好きだった曲の一つで、しょっちゅうこの曲のレコードをかけていた。

この辺り、私自身の経験からも、その時の様子が分かるような気がします。

私の場合は母がベートーヴェンの「田園」「運命」「バイオリンと管弦楽のためのロマンス・ヘ長調」「ドボルザークの「新世界」「8番」等を聴いていましたので、その影響を受けました。小学4年から中学にかけて、これらの音楽家の曲を起点としてクラシックに魅了されて行きました。

kojitaken様の場合はモーツァルトに限らず、幅広く聴かれていたのでしょうね。

専門家のどなたかが言っていたと記憶していますが、私のように子供の頃に最初にベートーヴェン交響曲に魅了され「ベートーヴェン耳」になる例もあれば、最初にモーツァルトの「ジュピター」「40番」等に魅了され「モーツァルト耳」になる例があり、両者はその後のクラシック音楽への好みが分かれるとか。

私の場合はその後、ワーグナーブラームスチャイコフスキー等の音楽へと向かい、なかなかモーツァルトハイドンには向かいませんでした。「ベートーヴェン耳」には彼等の交響曲の素晴らしさがなかなか。。。今もまだダメです(^-^;

トルストイと「クロイツェル・ソナタ」ですが、ドストエフスキーは「熱情ソナタ」が好きだったそうです。手紙か何かで語っていたので事実でしょう。

ロシアの両文豪が揃ってベートーヴェンを聴いていたというのは面白いですね。

もう少し書きたいのですが、キリが無いのでこの辺りでやめます。

ありがとうございました。

 

 実は私が小学校4年生の時に1枚だけ父に与えられたレコードはドヴォルザークの『新世界より』だったのでした。

 その後中学校1年生の頃に十何枚かのレコードを貸してもらって、最初に気に入ったのはメンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲でした。ベートーヴェン交響曲第3,5,9番のレコードがありました。

 ですが、ベートーヴェンの場合は、ことに第5交響曲に対して、前記の吉田秀和が言う「標題楽的な考え方を、まったく排除してきいて、しかも傑作であることを、直接経験す」ることは、子ども時代の私にはどうしてもできませんでした。例の「苦悩を貫いて歓喜へ」というモットーだかプログラムだかを押し付けられるかのような抵抗がありました。そんなこと言ったって人生の最後は「死」じゃないかと思ったのでした。しかもベートーヴェンにはトルストイに「不道徳」と非難されたクロイツェル・ソナタやそれと同質の情念を私に感じさせる、ドストエフスキーが好んだとおっしゃる熱情ソナタのような作品もあるし、何よりベートーヴェン自身の晩年のピアノソナタ弦楽四重奏曲は決して「苦悩を貫いて歓喜へ」の音楽とはいえないわけです。

 その一方で、ベートーヴェンは「元祖モーツァルティアン」のような人でした。私はその観点からベートーヴェンへの関心を強めていきました。モーツァルトは1791年に悲惨な死に方をしましたが、1827年に死んだベートーヴェンの晩年にはサリエリ(1825年死去)がモーツァルトを毒殺したことを悔いて精神に異常をきたしたなどの噂がウィーンを駆け巡ったことからもうかがわれる通り、モーツァルトは既に大作曲家として認められていました。それには、ピアノ協奏曲第20番ニ短調K466のカデンツァを作ったベートーヴェンの貢献も大きかったのではないかと思います。

 ベートーヴェンは耳疾という音楽家として最大級の苦悩を経験したけれども、モーツァルトにも就職に苦しんだための生活苦をはじめとする別種の苦悩があったのでした。

 その性格においても、モーツァルトベートーヴェンと同じくらい短気で怒りっぽい人でした。たとえば、英語で書かれた下記記事(2006年7月24日)の冒頭の文章は、最近私が持つようになったモーツァルトのイメージに近いです。

 

www.newyorker.com

 

Wolfgang Amadè Mozart, as he usually spelled his name, was a small man with a plain, pockmarked face, whose most striking feature was a pair of intense blue-gray eyes. When he was in a convivial mood, his gaze was said to be warm, even seductive. But he often gave the impression of being not entirely present, as if his mind were caught up in an invisible event. Portraits suggest a man aware of his separation from the world. In one, he wears a hard, distant look; in another, his face glows with sadness. In several pictures, his left eye droops a little, perhaps from fatigue. “As touchy as gunpowder,” one friend called him. Nonetheless, he was generally well liked.

 

URL: https://www.newyorker.com/magazine/2006/07/24/the-storm-of-style

 

 小男で顔に天然痘にかかった痕のあばたがあるモーツァルトは「弾薬のように怒りっぽい」人だったというのです。

 記事に添えられた、左利き*3モーツァルトを描いた漫画には

Scholars now see Mozart not as a naïve prodigy or a suffering outcast but as a hardworking, ambitious musician.

と書かれています。勤勉で野心的な音楽家。現在の日本人でいえば野球のことしか考えていないように見える大谷翔平選手みたいなあり方といえるでしょうか。

 またモーツァルト自身も

私の芸術の実践が簡単になったと思うのは間違いだ。 親愛なる友よ、私ほど作曲の研究に力を注いだ者はいないと断言しよう。私が頻繁に、そして熱心に研究しなかった音楽界の有名な巨匠はほとんどいないのだ。

と言ったらしいです*4

 モーツァルトは "Wolfgang Amadè Mozart" と署名していました。昨日、白水社の『モーツァルト書簡全集』の一部を図書館で少し読みましたが、「ヴォルフガング・アマデー・モーツァルト」と訳されていました。モーツァルトの先例名は "Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart" といいますが、これはラテン語の名前で、このうち「神に愛された」という意味の Thephilus に相当するイタリア名が Amadeo で、イタリア旅行した時にモーツァルトは「アマデーオ」と呼ばれました。モーツァルトはそれを気に入りましたが、そのままだといかにもイタリア風なので o をとってフランス風に Amadè と名乗ったものらしいです。ちなみにドイツ名だと Gottlieb(ゴットリープ)になります。下記Xが書く通りです。

 

 

 だから石井宏が『モーツァルトは「アマデウス」ではない』(集英社新書,2020)などと書くわけですが、考えてみたらイタリア人ながらウィーンで「モーツァルト殺し」と噂されながら精神に異常をきたして死んだサリエリも不運な人です。私が連想せずにはいられないのは、中国ではトップのグループに入れないために世界各地に散り散りになっている卓球選手たちのことで、たとえば今年のパリ五輪代表に選ばれた張本兄妹も中国系の選手です。最初にこれを認識したのは2004年のアテネ五輪団体戦福原愛とフルゲームの激戦を演じて惜敗したオーストラリア代表のミャオミャオ(苗苗)選手(私は福原選手よりもこの選手の方を応援していました)や、その次のアメリカ選で対戦して福原選手が4-0でストレート勝ちしたガオジュン(高軍)選手を知った時でした。彼ら彼女らは「鶏口となるも牛後となるなかれ」を地で行っているわけですが、そのオペラ作曲家版がサリエリたちではなかったかと。なお図書館にはサリエーリの伝記(以前弊ブログで紹介した「サリエリモーツァルト」を書いた水谷彰良氏が2004年に音楽之友社から出した『サリエーリ モーツァルトに消された宮廷楽長』というタイトルの本)も置いてあったので、暇な時というか今月最後の月曜日に休みをとる予定なので、その3連休のタイミングあたりにでも借りて読もうかと思っています。モーツァルトの現存する最後の書簡にサリエリとその愛人を『魔笛』のボックス席に招待し、サリエリがブラヴォーを連発したことが書いてあるのは事実で、昨日はそれを『モーツァルト書簡全集』の最終巻(第6巻)で確認してきました。どう考えてもサリエリモーツァルトを殺す動機はないわけですし*5、それどころかモーツァルトを殺してしまったら自らがブラヴォーを発し、かつ自らの地位を脅かす恐れがなくなった(なぜなら宮廷楽長は終身職だから)モーツァルトの新曲はもう聴けなくなるわけですから、サリエリ犯人説はまずあり得ないと思われます。仮にモーツァルトの死因が本当に毒殺であったとしたら、貴族に反逆的だったモーツァルトを狙った極右の犯行ではなかったかと想像する次第です。

 「モーツァルト耳とベートーヴェン耳」の話は面白いですが、それよりも1970年頃に見られた劇的な社会構造の変化が人心をも変えたのではないかと私は思っています。大阪万博のあった1970年にはまだこの年が生誕200年のアニヴァーサリーイヤーだったベートーヴェンの天下でしたが、翌1971年から吉田秀和NHK-FMの番組『名曲のたのしみ』でモーツァルトを取り上げ始め、それとほぼ時を同じくして朝日新聞に「音楽展望」のコラムを書き始めた頃から様相が変わり始めたのではないかと思います。私がクラシックを聴き始めた1974〜75年頃あたりがベートーヴェンからモーツァルトへの人気ナンバーワンの交代期だったように思いますが、1970年頃からの世相はというと「モーレツからビューティフルへ」という富士ゼロックスのCMが放送されたのが1970年で、1971年のドルショック、1973年の石油ショックと続いてこの年に高度成長経済が終わり、1974年から翌75年にかけてはスタグフレーション(不況下の物価高)が起きました。

 私にベートーヴェンの5枚(交響曲第3,5,9番とヴァイオリン協奏曲、それにピアノ協奏曲第5番「皇帝」。そうそう「ロマンス第2番」もありました)のレコードを貸してくれた父も、1970年代半ば頃にはどう思い出してもベートーヴェンよりモーツァルトを多く聴いていました。記事に書いたヴァイオリン協奏曲第5番の他に覚えているのは、弦楽三重奏のためのディヴェルディメント変ホ長調K563と、K313,314のフルート協奏曲/オーボエ協奏曲*6などでした。父は他の作曲家ではブルックナーシベリウスが好きで、ブルックナーでは第4番「ロマンティック」、シベリウスでは「フィンランディア」ばかりかけていましたね。私はブルックナーでは第7,8番をごくたまに聴く程度で、シベリウスは「フィンランディア」はあまりにもベタなので敬遠していますが、それと同様のコンセプトで書かれたと思われる第2交響曲には結構燃えます。このあたりは私にもそれなりにナショナリスティックな部分も多少はあるんだろうなとうすうす自覚する一方、あれを「シベリウスの田園交響曲」などと評した音楽評論家たちはバッカじゃなかろかルンバ♪、と少年時代の昔から思っていました。

 モーツァルトに関しては、ベートーヴェン以降との断絶よりもモーツァルトベートーヴェンの連続性の方に興味があります。今日は本当はオペラ『ドン・ジョヴァンニ』を題材にして「闘うモーツァルト」をテーマに記事を書こうと思っていましたが、その前段階を書き終えたところでもう1万字を超えたので、それは次回以降に回します。

 そうそう、書き忘れてましたが、モーツァルトベートーヴェンの時代にはフランス革命がありました。1970年から180年前の1790年頃にヨーロッパでは大きな社会構造の変化であり、ベートーヴェンが自立した音楽家として成功できたのはそのおかげもあったと思います。ギリギリでその恩恵に浴することができたのが晩年のハイドンで、彼は長年のハンガリー勤めから解放されたあと、渡英して自立した作曲家として成功してウィーンに戻りました。晩年の弦楽四重奏曲からは故モーツァルトや若いベートーヴェン何するものぞ、という気迫が感じられますが、70歳を少し過ぎた頃に健康に問題が生じたものか、晩年の輝きは長続きしなかったようです。モーツァルトは残念ながら早く生まれ過ぎました。晩年の1789年から1790年にかけてはスランプの時期で、ようやく1791年に力を取り戻したかと思われた時に死の病(あるいは毒物?)に倒れてしまいました。

 1810年代以降の反動の時代には作曲家(や指揮者?)の権力ばかりが増すようになって、クラシック音楽の世界に権威主義が広がっていったのではないかとの仮説を立てています。1790年までの王侯や貴族の支配に代わる別の権威主義が幅を利かせたのが19世紀のドイツを中心とする芸術音楽の世界だったのではないでしょうか。その中でも特に問題含みだったのが自らも反ユダヤ思想を持っていたワーグナーではなかったかと思いますが、幸か不幸か私がワグネリアンになることはありませんでした。

*1:モーツァルトと相性がもっとも良かった都市はプラハ、また作曲でもっとも大きな影響を受けた国はイタリアだった。

*2:新潮文庫版の『LP300選』(1981)が手元にあるが、書かれたのは1961年。

*3:ベートーヴェンも左利きだったらしい。ともに短気な小男だったことを含めて、よくよくこの2人には共通点が多い。

*4:https://avareurgente.com/ja/ren-sheng-yi-chan-soshite100notian-cai-vuoruhugangumotsuarutoming-yan-ji

*5:モーツァルトにはサリエリを殺す動機はあったわけで、ミステリなら『魔笛』のボックス席でモーツァルトサリエリのグラスに毒薬を入れるのを見たサリエリモーツァルトが目を逸らした隙にグラスを差し替えた、などと想像することもできようが、さすがにリアリティが全くない。

*6:K313がフルート協奏曲第1番、K314が同第2番だが、後者はその原曲であるオーボエ協奏曲の楽譜が発見されたために両方の形態で演奏される。

小澤征爾死去 〜 小澤と武満徹、小澤と大江健三郎、小澤と村上春樹の3冊の対談本が面白かった

 小澤征爾が亡くなった。

 私は小澤の音楽との相性が必ずしも良くなくて、ブログに名前を出したこともほとんどないし、CDも数えるほどしか持っていない。Macのミュージックに入れたのもチャイコフスキーの『白鳥の湖』全曲盤とチェロのムスティスラフ・ロストロポーヴィチ(1927-2007)と組んだショスタコーヴィチプロコフィエフグラズノフらを入れた2種類のCDくらいのものだ。後者は1枚がショスタコのチェロ協奏曲第1番とプロコフィエフの交響的協奏曲をカップリングしたCDで、もう1枚がショスタコの協奏曲第2番とグラズノフの「吟遊詩人の歌」、それにチャイコフスキーの「アンダンテ・カンタービレ」、これはもとは弦楽四重奏曲の第2楽章だったのをチェロと管弦楽のための編曲したバージョンが収められたCDだ。前者のエラート盤の方が録音が新しく、といっても1987年の録音だが、1988年末に買って1989年の初め頃にかけてよく聴いていた。前の前の元号が終わる直前、つまりあの元号で区切られた時期の最後に聴いたのがこのCDの後半に収められたショスタコーヴィチだった*1志位和夫*2さんおめでとう(笑)。それから第2番の方は1977年の録音だが、ドイツ・グラモフォンの輸入盤(廉価盤のシリーズに収められていた)を買った。ネットで検索したらグラズノフの曲を途中までアップロードしたTouTubeがあったので以下にリンクする。小澤よりもロストロポーヴィチを聴く演奏ではあるが。

 

www.youtube.com

 

 小澤征爾は彼が指揮する音楽よりも武満徹(1930-2006)、大江健三郎(1935-2023)、村上春樹(1949-)と対談した本がとても面白かった。ただ、大江も村上も私が長年苦手としていた小説家だ。村上春樹は2012年頃から少しずつ読むようになって今では彼の長編を半分以上読んだが、大江は昨年亡くなったあとにやっとこさ『万延元年のフットボール』(1967)を読んで感心し、これからもっと読まなきゃと思っている。武満徹は結構好きでCDも何枚か(たしか10枚近く)持っているが、どういうわけか泉健太支持者のnaoko氏が「ヘビロテ」していたという小澤指揮サイトウキネンオーケストラによる「ノヴェンバー・ステップス」その他を収録したCDは持っているものの苦手で、Macのミュージックにも入れていない。もしかしたら今聴き直したら新しい発見があるのかもしれないが。

 

 

 ああ、あと2002年のニューイヤーコンサートからとったソニーのCDも持っている。ニューイヤーコンサートは今年は能登地震のためにNHKの番組が流れたが、例年惰性で視聴している。でもあれは基本的にウィーン市民のためのコンサートであって、他国の人間が気晴らしで視聴するくらいは構わないけれどもあんなものを権威として崇め奉る必要なんか全くあるまい。少なくとも私の趣味には全く反する。だから小澤の指揮に限らず、ヨハン・シュトラウスのワルツやポルカを聴きたいなんてそうそう思わないからミュージックにも取り込んでいない。一時期あの会場にもずいぶん日本人とおぼしき人たちが目立ったが、そのせいでチケットが取りにくくなるウィーンの人たちが気の毒だといつも思っていた。

 しかし小澤の言葉や感性は面白い。思考や感性が違うために、意外性があって非常に面白いのである。また小澤と話が通じた武満徹大江健三郎村上春樹の3人にも感心した。以下に私が持っている3冊の小澤の対談本の出版社のサイトをリンクする。

 

www.shinchosha.co.jp

 

 これは単行本初出が1981年で新潮文庫入りしたのが1984年。私は2001年*3発行の第9刷を持っている。若い頃の小澤や武満の写真がたくさん載っているし、文庫本の巻末には細野晴臣の解説文が載っている。そうそう、この対談が行われた頃に小澤が指揮するベートーヴェンの第9を日比谷公会堂に聴きに行ったことがある。それから1978年に小澤が中国に行ってブラームスの2番を中国のオーケストラ団員に教えた話が出てくるのも懐かしい。確かTBSで番組をやっていた。中国で毛沢東の虎の意を借りて手下の「四人組」とともに恐怖政治を敷いていた江青は、西洋音楽を禁じたばかりか中国の音楽も政治的宣伝に資するもの以外はすべて禁じたとのことで、毛沢東が死ぬ直前の1976年4月5日に江青らが引き起こした弾圧事件を当時は「天安門事件」と呼んでいたが*4、小澤はそれに言及している。このあたり、ヒトラースターリンに並び称されるべき極限の権威主義の弊害がいかに悲惨だったかを改めて思わせる。

 

www.chuko.co.jp

 

 こちらは2000年に行われた対談、単行本初出が2001年、中公文庫入りが2004年で、私は2012年発行の文庫本第3刷を持っている。私が過去に更新していた、現在では放置状態にあるブログの記事でこの本に言及したことがある(下記リンク)。2013年11月25日の公開。

 

caprice.blog63.fc2.com

 

 最後は小澤と村上春樹との対談本。

 

www.shinchosha.co.jp

 

 この本については『kojitakenの日記』で取り上げたことがある(下記リンク)。2014年8月3日の公開。

 

kojitaken.hatenablog.com

 

 最後に、小澤を長く取材してきたという朝日新聞吉田純子編集委員が書いた朝日新聞デジタルの有料記事のプレゼントを以下にリンクする。

 

digital.asahi.com

 

 URLの有効期限は2月11日の9時46分とのこと。それ以降は有料部分は読めないので、以下に無料部分を引用する。

 

少女の死に涙した小澤征爾さん 幸福と孤独を抱えたパイオニアの素顔

編集委員吉田純子 2024年2月9日 21時00分

 

 世界的指揮者小澤征爾さんが88歳で死去しました。長く取材してきた吉田純子編集委員が、その素顔を振り返ります。

 

 小澤さんはとても涙もろいマエストロだった。小澤さんの涙をいったい何度見たことだろう。うれしいときも、悲しいときも、悔しいときも、感情をあらわす言葉をまだ持たぬ子どもさながらに、すぐに大きな目いっぱいに涙をためた。

 

 その感情の振れ幅の大きさと深さこそが、小澤さんの音楽の本質とシンプルに連なっていることは言うまでもない。

 

 とりわけ、生涯の盟友だった山本直純について語りはじめると、たちまちのうちに目が充血した。2002年に山本が亡くなったあとも、必死の形相で涙をこらえながら記者にまくしたてたことがあった。

 

 「きみたちは、ナオズミがどれほど天才だったのか本当にわかってるの? あの『大きいことはいいことだ』って、気球の上から100人くらいの合唱を指揮してるコマーシャル(森永エールチョコレート)、あの大振り、あれはただのラジオ体操じゃないんだ。あの大きな振り幅で、しっかり打点をおさえ、大勢の人を束ねるのって、実はすごいことなんだよ。少なくとも僕にはあんなことできないよ」

 

 あの時の涙は、単なる悲しみではなく、真実の才能が商業主義の世界に消費されてゆく時代への悔しさ、憤りの涙だったように、今となっては感じられてならない。

 

楽屋を訪ねてきた若い夫婦

 

 2000年の夏、長野県松本市で開かれていたサイトウ・キネン・フェスティバル松本(現セイジ・オザワ松本フェスティバル)で楽屋でインタビューをしていた時にも、思いがけなく小澤さんの涙を見た。

 トン、トンと扉がノックされ…(以下有料)

 

朝日新聞デジタルより)

 

URL: https://www.asahi.com/articles/ASS296D21S29ULZU005.html

 

 山本直純が司会を務めていたTBSの『オーケストラがやって来た』(1972〜1983)はよく見ていた。関西だったので最初は6チャンネルの朝日放送だったのが1977年4月から4チャンネルの毎日放送に代わったはずだが、4チャンネルになった頃にはもう見なくなっていた。日本船舶振興会のコマーシャルで山本が笹川良一のお先棒を文字通り「担いだ」のを見て以来、山本を嫌うようになっていたからだ。山本は、笹川の先棒担ぎが災いしたか、その後「交通違反スキャンダル」などを犯して世間のイメージも悪くなり、没落していった。以下Wikipediaより。

 

口ひげと黒縁メガネがトレードマークとして知られ、その自由奔放なキャラクターから、タレントとしての一面も備えていた。森永製菓「エールチョコレート」のCMソング『大きいことはいいことだ』、日本船舶振興会(当時)の『火の用心の歌』を手がけた際には、自らCMに出演したほか、NHKや民放の音楽番組やバラエティ番組にもゲストとして度々出演した。

音楽関係者の間では「日本の音楽普及に最も貢献したひとり」として高く評価されている。だが一方で、生前は周囲とのトラブルや、1978年8月6日に起こした交通違反スキャンダル[注 2]などでのマイナスイメージもあり、生前はその多大な功績に比して世間から必ずしも高い評価を得られない一面もあった。晩年はアマチュアオーケストラのジュニア・フィルハーモニック・オーケストラの指導にも特に力を注いだ。岩城宏之とは無二の親友であった。1999年には、妻の心臓発作を機にキリスト教カトリック)に入信している。洗礼名はフランシスコといった。こどもさんびか改訂版に「せかいのこどもは」(作曲)を残している。

1998年に鹿児島県南種子町で開催された「トンミーフェスティバル」において作曲を手がけたことが縁となり、楽譜をはじめとした資料、楽器、生活家具などが同町へ寄贈され、南種子町郷土館内に「山本直純音楽記念室」が開設された[1]

2002年6月18日急性心不全のため死去。享年69歳。墓所は品川区高福院

 

出典:山本直純 - Wikipedia

 

 私は「大きいことはいいことだ」というコマーシャルも嫌いだった。そして山本が著書で大々的に推していたブラームスの第1交響曲が、私にとっては好きな曲が多いこの作曲家の作品の中では例外的に「全く合わない」作品だった(それは今も同じで、昔ほどではないが相変わらずこの曲が相当に苦手だ)。このように、音楽には合う合わないの要素が強い。何のせいでそうなっているのかは全くわからないが、こればかりはどうしようもない。

 朝日の吉田記者が書いた記事の有料部分に少し触れておくと、前記ロストロポーヴィチに加えて、ピアニストのマルタ・アルゲリッチにも小澤は信頼されていたと書かれている。確かにアルゲリッチと小澤との共演は良かった印象がある。CDにはなっていないと思うが、ショパンの協奏曲第2番は良かった。もっともあの曲はオーケストレーションがかなり貧弱だと言われることが多い。

 それから吉田記者も書く通り、小澤でもっとも定評のあるのはフランス音楽だった。実は私はベルリオーズがかなり苦手で、気に入ったのは『幻想交響曲』と『ファウストの劫罰』くらいのものだったが、近年、というか20年ほど前から日本のクラシック音楽受容における「ドイツ音楽帝国主義」に抵抗を感じるようになっていた(だからこそ、かつてあれほど聴いたモーツァルトからもつい昨年秋までは疎遠になるに至っていたのだった)。それにもかかわらず、いわゆる印象派ドビュッシーラヴェルには昔から親しんでいたが、それ以前のフランス音楽には、フォーレの音楽やフランクのヴァイオリンソナタなどの例外はあるものの、あまり親しんでこなかった。

 昨年、大江健三郎の死を契機に大江の小説を読もうと思ったのと同じように、小澤征爾の死をきっかけに小澤が指揮したフランス音楽を聴いてみようかと思った。

*1:あのように人の死、それも権力を象徴する人物の死で時代を区切ること自体が論外だと私は思うが、それはひとまず措いておく

*2:委員長を退いた現在も依然として日本共産党における実質的な最高指導者として権力を行使している人物が深く敬愛しているのがショスタコーヴィチだ。

*3:新潮社は基本的に保守反動の会社なのでこれらの年数はすべて元号で表記されているが、ここではそれらを西暦に書き改めた。以下同様。

*4:現在では1989年6月4日に鄧小平が引き起こした天安門事件と区別するために「四五天安門事件」または「第一次天安門事件」と呼ばれているようだ。

「いつも何かを欲しがっているということは、あなたを不幸にする」と言ったモーツァルト弾きのピアニスト、マリア・ジョアン・ピレシュと、「業界を飼いならし、権力を手中に収めるという方法」をとった日本を代表するピアニスト中村紘子

 マリア・ジョアン・ピレシュ(1944-)というポルトガル出身の女性ピアニストがいる。もう引退したが、29歳だった1974年に日本のDENONレーベルにモーツァルトピアノソナタ全集をPCM録音したため、1970年代にNHK-FMで彼女の弾くモーツァルトがよくかかったのを覚えている。その頃は「マリア・ジョアオ・ピリス」と表記されていた。私は先年、ピレシュが1970〜80年代にフランスのエラートレーベルに録音した17枚組のCDを安売りで買った。内訳はバッハの協奏曲1枚、モーツァルトの協奏曲6枚とソナタ1枚、ベートーヴェンソナタ2枚、シューベルトソナタ2枚と連弾曲1枚、ショパンの協奏曲1枚と前奏曲及び珍しい作品14のクラコーヴィアク、それにワルツ集が各1枚(計2枚)、最後にシューマンの子どもの情景(トロイメライを含む)、森の情景(村上春樹の『ねじまき鳥クロニクル』に出てくる「予言の鳥」を含む)、その他を含めた1枚。残念ながら弊ブログに取り上げたモーツァルトの協奏曲第24番(ハ短調K491)と第25番(ハ長調K503)はいずれも録音されていない。やはりこの2曲はモーツァルトのピアノ協奏曲の中でもちょっと特殊な位置にあると思う。

 そのピレシュが引退直前の頃のインタビューに、先年亡くなった日本のピアニスト、中村紘子(1944-2016)との対比が書かれていて興味深かったので、それを紹介したい。といっても私はアンチ中村紘子の人間だったので故人へのdisりが多分に含まれることをあらかじめお断りしておきたい。

 

 以下引用する。まずピレシュ(ピリス)にインタビューした時の書き手の感想から。

 

ピリスさんがコンサートピアニストとしての活動からの引退を決めたその主な理由は、74歳という年齢を迎える今、常にストレスに押しつぶされかけながら生きなくてはならないコンサートピアニストとしての生活から離れたいからということ、そしてその時間を、社会や人のためになるクリエイティブな活動のために使いたいから、ということのようです。
根本にあるのは、記事のタイトルにもしましたが、「手に入れた何かを自分だけのものにとどめておけば、それはすぐ役に立たないものになってしまう」という考えでしょう。それは経験なのかもしれないし、持って生まれた才能のことかもしれない。もちろん生き方や価値観は人それぞれですが、自分はなんで生きてるのかなーと思った時の一つの答えはここにあるかもしれないですね。

 

そんなピリスさんが真剣な表情で語っていたことのひとつは、やはり今の音楽業界についての懸念でした。音楽やピアノを通して自分は世界を知った、それだけが音楽をする目的だというピリスさんにとっては、戦後、芸術と商業主義が結びついて勢いを増していったアーティストを取り巻く環境が、どうにも居心地が悪かったということのようです。(資本主義社会では、もうだいぶ大昔からそうだったのではないかという気もしますけど、度合いが増しているのは確かかもしれません)

 

(中略)

 

あとはピアノや音楽の話題に加えて、やっぱり人生についての質問をしたくなってしまって。文字数の都合で記事に入れられなかったくだりの一つをご紹介したいと思います。
人間とは欲深い生き物で、安定や成功を手に入れることに気をとられていると、いざそれを手に入れても、結局もっともっとと次の何かを求めることになってしまう。永遠に満足しないことは、向上心があるということでもあるけど、あんまり幸せじゃないことのような気もするんですが。
そんなことを言ったら、ピリスさんはこう言いました。

 

いつも何かを欲しがっているということは、あなたを不幸にすると思います。いつも何かに落胆するし、もっと欲しいと思い続けているうちに他人と協力し合わなくなる。そのままの人生を受け入れるという心構えさえ自分の中に持つことができれば、一定の幸せというものの存在を感じて生きることができると思います」

 

ピリスさんはきっと、権力欲のようなものがないのに、才能ゆえに注目が集まって、そのはざまで悩み続けた人なのでしょうね。
でも、それにまつわる問いを尋ねると、少し困った顔をしながら今の正直な気持ちを話してくれるわけで、本当に純粋な(そしてちょっと難しい)方なんだと思います。

 

URL: http://www.piano-planet.com/?p=2641

 

 このピレシュの姿勢には共感が持てる。しかもなんという偶然か、赤字ボールドにした部分は読み終えたばかりのさる小説の重要なモチーフの一つなのだ。

 しかし記事の著者は、誕生日がピレシュと2日違いの中村紘子(中村の方が遅い)のあり方はピレシュとはあまりにも対照的だというのである。以下引用する。

 

そこで思い浮かんだのは、中村紘子さんのことですよ。

 

なにせ評伝を書いたばかりですから、その両極端な生き方についてまたいろいろ考えるわけです。紘子さんの場合は、業界を飼いならし、権力を手中に収めるという方法で(もちろんその背後に相当な努力や辛い思いがあったわけですが)、業界のために、自分のためにやりたいことをやっていった人でした。

 

評伝の中でも、紘子さんが20歳のときに社交の女王になろうと決意したと思われる瞬間のエピソードはじめ、「初対面の人には最初にガツンとやる人だと思う」という某関係者の証言も紹介しています。
「自分の持てるものを社会に還元したい」「若い人を育てたい」という同じ目的があっても、こんなにもやり方が違うんだと改めて思いますね。それも、この二人は、どちらもブレることなく、一生通してそのやり方を貫いていった女性たちなわけで。

 

それで、ふと気づいたら、二人は同年生まれ、誕生日2日違いでした。
第二次世界大戦終結前年、遠く離れた二つの国に生まれて、同じ人気者のピアニストとして活躍しながら、全く異なる生き方をした二人。それは、かつて世界各地に植民地を持ち、戦後のナショナリズムの動きの中でそれらを手放していったポルトガルと、アメリカの占領下でどんどん価値観を変化させられていった日本という、育った環境の違いなのか。いや、多分関係ないと思いますけど。個人差ですよねきっと。

 

URL: http://www.piano-planet.com/?p=2641

 

 そうか、中村紘子って権力志向が強かったのか。だから私は彼女がずっと嫌いだったのかもしれないと思った。私のアンチ中村紘子歴は長く、1970年代の中学生時代には既に彼女の演奏を嫌っていた。メインブログに公開した彼女の訃報記事でも下記の憎まれ口を叩いたほどだった。

 

kojitaken.hatenablog.com

 

 以下引用する。

 

 あいにく私はその「得意とした」という中村氏の弾くショパンに感心したことは一度もなかった。「文才も発揮」の件については、「中村紘子のヒモ」との陰口も叩かれた夫君がゴーストライターではないかとの風評があるが、中村氏の「著書」そのものを読んだことがない私としては、ありうる話だよなあとは思うものの、風評の真偽は判断できない。

 あとこの人の印象を悪くしたこととして、1982年にプロ野球××阪神の「伝統の一戦」が1000試合目を迎えたことを記念して放送されたNHKスペシャルに、中村氏が「××ファン代表」として出演していた動画を、数年前にネットで見てしまったからだ。燕党である私にとって、(燕党のみんながみんなそうでもあるまいが)「伝統の一戦」ほど気分の悪いものはない。昨夜まで甲子園でスワローズに3タテを食わせた阪神(おかげでスワローズはまた最下位に落ちた)もたいがいだが、××は論外なのだ*2。その番組で××をほめたたえて阪神をこき下ろす中村氏がまた憎たらしかった*3

 でもまあ、そういったことどもはもう水に流そう。心より故人のご冥福をお祈りします。

 

URL: https://kojitaken.hatenablog.com/entry/20160729/1469750015

 

 中村紘子の訃報を報じるテレビ各局の報道番組が流したのが、判で押したようにショパンの作品18、変ホ長調の「華麗なる大円舞曲」だったことに辟易した記憶も鮮烈だ。偏見かもしれないが、あれは名作揃いのショパンの音楽の中ではつまらない曲の筆頭格ではないかとの偏見を私は持っているため、中村紘子にはふさわしいなと皮肉に思ってしまった。

 さらにネット検索をかけると、このブログでも2021年10月23日*1に公開した下記記事の中でその件について中村紘子を少しdisっていたことがわかった。引用は省略する。

 

kj-books-and-music.hatenablog.com

 

 あとは昨年前半の坂本龍一死去の前後にバッハの音楽にはまっていた頃、中村が著書の中で旧ソ連の名女性ピアニスト、タチアナ・ニコラーエワの容姿をdisっていたらしいことを知り、中村が持つ差別性(ルッキズム)に呆れたこともあった。これについて書くのは今回が初めてだと思う。

 

ameblo.jp

 

 以下引用する。

 

タチアナ・ニコラーエワ(19241993旧ソ連のピアニスト。

 

私は中学生の頃、

中村紘子氏の名著「チャイコフスキー・コンクール」で

ニコラーエワという名前を知りました。

 

この本は面白いんですよ。

 

チャイコフスキー・コンクールという

4年に一度開催される、世界的なピアノコンクールの舞台裏を

審査員である中村氏の目を通して、実にリアルに、ユーモアも交じえて

描いたノンフシクション作品です。

 

中村氏からみた、他の審査員たちについての描写も

本の中にはちょこちょこと出てくるんですが、

ニコラーエワに関しての描写が、妙に子供心に印象に残りました。

 

タチアナ・ニコライエヴァは、バッハの研究家として日本でも知られたピアニストである。

小柄ながらいかにもロシア女性らしく堂々とした体型で、上唇のうえにうっすらとひげがある。

 

ひげがあるんかい、と。

 

URL: https://ameblo.jp/abechan-piano/entry-12380336474.html

 

 私は昨年夏にショスタコーヴィチの「24の前奏曲とフーガ」作品87を、定評のあるニコラーエワ盤ではなく、ジャズピアニストのキース・ジャレットが演奏するCDを買って聴いたのだったが、おそらくその前後にネット検索でニコラーエワについて調べていた時に上記ブログ記事に行き当たり、またしても中村紘子に反感を持ってしまったのだった。

 なお上記ブログ記事にはニコラーエワが弾いたバッハの平均律曲集の話が出てくる。彼女は1971年と1984年にバッハの平均律を二度録音しているらしいのだが、そのうち一度目の録音からの抜粋が1976年か77年にNHK-FMのクラシック・リクエスト、これは確かチェコ音楽びいきの藁科雅美氏(1915-1993)が解説を務めていたと記憶するが、その番組でニコラーエワの演奏がかかった。

 

 その1971年盤の感想を上記ブログは下記のように書いている。

 

とにかく立派です。ビクともしません。ブレません。

ロシアの大地に根差した巨木を連想させます。

太い。

 

そして、基本やはりレガートなんですね。

ノンレガートも必要に応じて使いますが、

ペダルを充分に使った、粘り気ある深い明確なタッチです。

 

やはり、そういった特質が活きる曲でこそ真価を発揮します。

1巻第4嬰ハ短調のフーガなんか、音の層が何層あるのかという具合に

圧倒されます。ピアノが底鳴りしてます。

これぞロシアンピアニズムの底力。

 

 

あれ、しかしなんかが違う。

 

おばあちゃんが孫を可愛がるように慈しんで弾いてた1984年のと、違う。

 

それこそ、なんか、ひげがありそうな感じがする・・・・

 

URL: https://ameblo.jp/abechan-piano/entry-12380336474.html

 

 ひげ云々はともかく、ニコラーエワの演奏がたいそう「立派」だったことは確かだ。第1巻の第4番嬰ハ短調平均律曲集の中でも屈指の大名曲なので、藁科氏の番組でもきっとかかったに違いない。この曲は、前奏曲がどっかの民放局が昼ドラのテーマ曲に編曲されて使われていたような繊細な音楽なのに、フーガは「十字架の形をしている」と指摘される4音動機を主題とする5声のいかめしい音楽で、その対比がすごいのだが、後年、20代半ばにグレン・グールドにはまることになる私は、正直言ってニコラーエワの演奏には「立派すぎて」親しめなかったのだった。

 グールドで思い出したが、昨日(2/3)公開された社会学者のsumita-mさんの下記記事が興味深かった。

 

sumita-m.hatenadiary.com

 

(前略)「脱構築」は「する」のではなく「起こる(happens)」。それは、或るテクストが読まれる(解釈される)ことを通して、今まで読まれていた(解釈されていた)のとは別様の何ものかを開示することだといえる。ここで読むことは(重要ではあるけれど)一契機でしかなく、誰々(蓮實重彦上野千鶴子ユーミン斎藤美奈子)が脱構築するのではなく、テクストが自らを脱構築する、或いはテクストと読み手の間で脱構築が発生するとしか言えない*7。また、脱構築の解く/解かれるという側面に注目するなら、脱構築において解かれるのは、読み手の側の従来的な読み方でもある。また、なんちゃら理論を当て嵌めて、論破してやったぜ! というのは脱構築とは全く関係ないことも明らかであろう。レイプとセックスが区別されなければいけないように。

 

蓮實さんや上野さんのことは脇に置いて、ユーミンに絞りたい。先ず、音楽と「脱構築」という主題を考えなければならない。音楽において「脱構築」という事態はどのようにして生起するのか? 「脱構築」が読み(解釈)において生起するのであれば、音楽においては、他人の曲を演奏することを通じて、生起すると言えるかも知れない。例えば、クラシックの演奏家は、常に(例えば)ベートーヴェンの、モーツァルトの、或いは(狭義のクラシック以前ではあるけど)バッハの楽譜を読み、具体的な音へと変換するという課題に直面している。それを通じて、楽曲の新たな側面が開示されるということもあり得る(グレン・グールドのバッハとか)。しかし、ユーミンに関して、そのような仕方で「脱構築」が生起するというのはかなり考えにくいのだ。何しろ、荒井由実としてであれ松任谷由実としてであれ、ユーミンが他人の曲をカヴァーしているのを聴いたことはない。「七〇年代的な四畳半貧乏フォーク」をカヴァーして、その新たな側面を露呈させたということなんか(多分)ない。まあ、「四畳半貧乏フォーク」というクリシェから具体的に想像できるのって、かぐや姫、或いはせいぜいさだまさしぐらいしかないのだけど、ユーミンと「 四畳半貧乏フォーク」との関係は、脱構築でも換骨奪胎でも(ヘーゲルマルクス的な)止揚でもなく、お互いのファンは被ってないよね、という感じのものであったわけだ。(後略)

 

URL: https://sumita-m.hatenadiary.com/entry/2024/02/03/142105

 

 グールドのバッハ演奏によって「楽曲の新たな側面が開示された」典型例が1955年と81年のゴルトベルク変奏曲の演奏だ。グールドは平均律曲集もとても面白かったが、今世紀に入ってからは私が一番多く聴くバッハの平均律はグールドではなくフリードリヒ・グルダになった。でもレーザーディスクで視聴したグールドによるバッハのフーガ の解説は感動的だった。初めて見たのは1994年の年末だったが、今でも忘れられない。ただ今ではLDのプレーヤーは押し入れに入れてしまって視聴できないけれど。あのLDでは第2巻第9曲のホ長調のフーガを解説していた。最初の4音がモーツァルトの「ジュピター」主題と同じド−レ−ファ−ミで始まる曲だ。あの曲も典雅なプレリュードと古風なフーガとの落差が大きく、グールドの解説を視聴するまではプレリュードは好きだけれどフーガはやや苦手だったが、グールドはその課題を解決してくれた。そういえばモーツァルトのピアノ協奏曲第24番に対してもグールドの演奏に接して開眼したのだった。

 あと、近年のモーツァルトの演奏史においてはではなんといってもピリオド楽器古楽器)による演奏の普及が革命的だったと思う。少なくとも今の私の感覚では、特にメヌエットの楽章でのワルターベームカラヤンのやたらと遅いテンポにはもうついていけない。ピリオド楽器によるメヌエット楽章の演奏を聴くと、モーツァルトメヌエットベートーヴェンスケルツォとの距離はぐっと縮まる。アーノンクールによる第40番のスケルツォはその極端な例だろう。なお第40番のフィナーレの第1主題をベートーヴェンは第5交響曲スケルツォに引用している(と言って良いだろう。リズムは異なるが旋律の音程は同じだ。調性は5度違うけど)。

 現在でもYouTubeに音声が公開されている1980年代前半の吉田秀和(1913-2012)解説の番組の頃は、まだベームカラヤンの演奏ばかりが番組に取り上げられているが、吉田は1980年代後半以降の「私の視聴室」ではピリオド楽器によるモーツァルトの演奏をずいぶん紹介するようになった。そして吉田は1990年代初頭には下記の文章を書いている。

 

(前略)モーツァルトというと、最近はもう古楽器による演奏が興味の中心になってしまった。それも、たしかに理由のあることである。コープマン、ブリュッヘン、ホグウッド、それから、この分野で先鞭をつけたともいってもいいアーノンクールたちによる演奏によって、つい昨日まではワルターベームカラヤン等々のモーツァルトをきいていた私たちは、正に音体験の革命を迫られているといってもいい。

 

吉田秀和『この一枚 Part2』(新潮文庫, 1995)409頁)

 

 ところが上記の文章はピリオド楽器によるモーツァルトについて書かれた文章ではない。なんと、この記事の冒頭に取り上げたマリア・ジョアン・ピレシュ(ピリス)がヴァイオリニストのオーギュスタン・デュメイと協演したモーツァルトの4曲のピアノとヴァイオリンのためのソナタト長調K301、ホ短調K304、変ロ長調K378、ト長調K379)のCD評に含まれる文章だ。上記引用文の前後の文章を以下に引用する。

 

 とにかく、このCDは、私には驚きであった。(中略=この部分に上記引用文が続き、その直後に下記の文章が続く=引用者註)でも、モーツァルトには、このピリスとデュメイがとり出してみせてくれたような「新しさ」も、埋蔵されていたのである。

 

吉田秀和『この一枚 Part2』(新潮文庫, 1995)409-410頁)

 

 実は1991年に発売されたこのCDを私は持っているが、そんなに聴いていない。モーツァルトのヴァイオリンソナタというとヒロ・クロサキとリンダ・ニコルソンによるピリオド楽器を用いた演奏の4枚組(初期作品を除いた16曲を収録)がすっかり気に入って、モーツァルトのヴァイオリンソナタを聴く時はこればかりかけていたのだった。たとえば私がこの分野でのモーツァルトの最高傑作だと思うイ長調K526など、現代楽器による演奏だとピアノが重すぎていけない。この「ピアノが重すぎる」というのは、実は1961年の吉田秀和ベートーヴェンのクロイツェルソナタを指して評した言葉だが、私見ではそれは事実上のモーツァルト最後のヴァイオリンソナタであるK526にも当てはまると思う。そしてそのクロイツェルソナタについても、私の一推しの演奏は2010年にヴィクトリア・ムローヴァのヴァイオリンとクリスティアンベザイデンホウトフォルテピアノで演奏されたピリオド楽器による演奏だ。

 でもいま聴き直したら、もしかしたら吉田秀和が書いたようにピレシュとデュメイの協演からも新しい発見があるかもしれない。是非聴き直してみようと思った(この文章を書いている時点ではまだ聴き直していない)。

 どさくさに紛れて、中断しているトルストイの「クロイツェル・ソナタ」のシリーズ最終回で取り上げるつもりだった演奏を挙げてしまった。これを書いたからもうあのシリーズは未完のまま続きを書くのをやめようかとも思う。第6ヴァイオリンソナタイ長調作品30-1の終楽章としてベートーヴェンが予定していた音楽を「クロイツェル」に転用したところから出発したあの曲は、第1楽章が作品23のイ短調の第4ソナタ、第2楽章が作品24の有名なヘ長調の「春」のソナタと同じ調性をとることから、4番からもとの6番までの3曲を深化させてまるまる1曲に収めたのが「クロイツェルソナタ」ではないか、とかそんな仮説を書こうと思っていたのだが、そんなマニアックな話は誰にも関心を持たれないに違いないと思って記事を書き続ける気が起きなくなったのだった。その第4と第5のソナタに、第7のハ短調作品30-2を組み合わせたCDをムローヴァは2020年にシリーズ第2弾として出していて、これも良い。ただピアニストが第1弾とは違い、アラスデン・ビートソンという人だ。このあたりは3人の子の父親が全て異なるというムローヴァらしい。あと第1,2,6,8,10番の5曲が残っているが、ムローヴァはシリーズ第3弾をまた別のピアニストと組んで出したりするのだろうか。

 次回はモーツァルトが子どもの頃に作曲したオペラの話をしようと思っている。その前にそのオペラを視聴しなければならないけど。

*1:スワローズが6年ぶりのリーグ優勝を決める3日前だった。

アガサ・クリスティ77歳の作品『終りなき夜に生れつく』は、クリスティ作品ベスト5に入れたい大傑作

 久しぶりにアガサ・クリスティのミステリを取り上げる。

 現在の私は作曲家・モーツァルトの生涯とその音楽を追うことに熱中しているが、3年前から熱中していたのがアガサ・クリスティの全ミステリ(アドバンチャーものを含む)を読むことで、昨年末の時点で晩年の7冊を残すのみとなった。その残り7冊の中からクリスティ77歳の1967年に書かれた『終りなき夜に生れつく』(矢沢聖子訳、ハヤカワ・クリスティー文庫, 2011)を読んだ。

 昨日(2/3)に一気読みした。徹夜はしなかったが夜更かししてしまい、夕食をとるのがずいぶん遅くなってしまった。

 

www.hayakawa-online.co.jp

 

 私はクリスティ60歳の1950年に書かれたミス・マープルもの第4作『予告殺人』を非常に気に入り*1、衰えぬ作者の力量に感心したが、作者が70代に入った1960年代の作品にはあまり見るべき作品がなく*2、残念に思っていた。さすがに70代にもなるとクリスティの筆も衰えたかに思われた。

 しかしこの作品は非常に良かった。いわゆる「あと味」はめちゃくちゃに悪いが、作品としては文句なしの第一級品だ。

 ところが『読書メーター』を見るとこの作品の評判が悪い。なぜかというと、どうやら本作をこき下ろしている読者たちは、全く事前の予備知識なしで読んだのではないかららしいと推測した。本作はほんの少しでも予備知識があると興趣が殺がれる。そのような種類の作品だ。

 この作品は江戸川乱歩の死去より遅く成立しているので、乱歩による評価はない。しかしクリスティ攻略本を書いた霜月蒼氏の評価はきわめて高く、クリスティの全ミステリ中の3位に推している。もっとも氏のベストテンには『アクロイド』も『そして誰もいなくなった』も『オリエント急行の殺人』も入っていない。私なら少なくとも前二者は絶対に落とせない*3

 何より、クリスティ自身がベスト作として挙げた自信作だ。

 この作品に関しては、とにかく予備知識ゼロの状態で読むに限る。だから前記読書メーターにも、はてなブログで読むことができる本作に関する霜月氏の論評にもリンクを張らなかった。

 私は幸運にも予備知識全くなしの状態で本作を読むことができたので、深い感銘を受けた。本書は今週図書館に返さなければならないが、文庫本を買って暇な時に再読したいと思った。そう、この本は私のように幸運な読書体験ができた読者にとっては二度読みしたい気持ちを強く起こさせる作品だ。いや既に余計なことをずいぶん書いてしまったかもしれない。

 これで未読のクリスティのミステリは残り6冊になった。今年中に読み終えることができると思うが、『終りなき夜に生れつく』はその中のベスト5に間違いなく入る。おそらくそのあとに未読メアリ・ウェストマコット名義の恋愛小説6冊を読むことになるだろう。

 短いが今回はここまで。この作品についてはあまり余計なことは書かないに限る。

*1:松本清張の某作品を連想したが、成立はクリスティ作品の方が早い。

*2:世評の高い『鏡は横にひび割れて』(1962)を私はあまり買わない。

*3:オリエント急行の殺人』は微妙だ。